20.2.14

Wenders y la composición



Tomamos al fundamental director alemán Wim Wenders para observar (y disfrutar) fotogramas de sus filmes, y focalizarnos en la Composición magistral del realizador. A veces una composición central, simétrica. Otras asimétrica, para valorar algún aspecto lateral de la trama. Siempre efectiva. Y, lo más importante, siempre bella.

Basta de palabras, vamos a las imágenes, que son las que interesan!

Comenzamos con El cielo sobre Berlín (Der Himmel über Berlin), conocida también en español como Las alas del deseo, de 1987.

Dos momentos, con uno de los ángeles y su protegida.



(el Centro de Impacto Visual - CIV - situado en el medio de la escena)

y el ángel de Bruno Ganz con su amor terrenal



con el CIV desplazado a los laterales.


Continuamos con Lisbon Story, de 1995 con Rüdiger Vogler, Patrick Bauchau, Teresa Salgueiro, Vasco Sequeira, Manoel de Oliveira.




En ambos casos, el protagonista se encuentra en una composición asimétrica, desplazando el centro visual a las márgenes de la pantalla.





Otro clásico de Wenders es Alicia en las ciudades (en alemán: Alice in den Städten) una road movie de 1974.


La niña, Alicia es Yella Rottländer, acapara la escena (de fotogramas y película).
En el primero, vemos una composición central, donde el juego de líneas, luces, vestimenta y locación, ensamblan a la perfección en el blanco y negro del film.





En la siguiente, los protagonistas (aquí un Rüdiger Vogler mucho más joven) juegan escenas en composiciones desplazadas levemente del centro a uno de los laterales, como en la playa...


O definitivamente hacia ambos costados, como en la siguiente




No podemos dejar de citar, por supuesto, una de las obras más conocidas y celebradas del director, nos referimos a Paris-Texas, de 1984, con Harry Dean Stanton, Nastassja Kinski y Dean Stockwell

Aquí Wim Wenders se desliza con maestría por paisajes desérticos y por urbes pobladas de autos y edificios.

Combinando varios tipos de composición, prevalecen las centrales en paisajes desolados....












Y asimétricas en los urbanos







Como "bonus track" les dejo un fotograma de PINA, largometraje en 3D de 2011 sobre la Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, compañía de danza fundada por la gran coreógrafa alemana, amiga de Wenders y su admirador incondicional.

Combinación excelsa de movimiento, luz, textura, para una composición visual de extraordinaria belleza..



19.2.14

Fotogramas a puro arte



El cine nos regala instantes mágicos, de infinita belleza. Directores que, en cada fotograma, trazan delicadas líneas estéticas, las cuales - visualizadas en movimiento, o con la atención de la foto fija - regalan al mundo un segundo único de puro placer.
Aquí algunos ejemplos (seguiré intentando captar algunos de esos momentos fugaces e irrepetibles, para traerles nuevos fotogramas): 



1.





Down by Law Down by Law es una película independiente en blanco y negro del año 1986


En la 1 se destaca el juego de luces que hace el director (Jarmusch), respecto a la piel de la actriz y las sábanas de raso. Un contraste con muchísima profundidad. Esta escena es casi al principio, en la presentación de los personajes de Down by law. 




2.




Escrita y Dirigida Por Jim Jarmusch.

Protagonizada Por Tom Waits, John Lurie y Roberto Benigni.


En la 2, que es de la misma película, el trabajo de la fotografía se basa en las líneas verticales (de la celda) como fondo, y los claroscuros de los personajes (más allá de los gestos, donde queda en evidencia el desinterés de Lurie y Waits por la llegada del nuevo preso, que intenta comunicarse como sea).


3.



Down by Law Fecha de Estreno Inicial : mayo de 1986
Director : Jim Jarmusch
Guión : Jim Jarmusch
Fotografía : Robby Müller
Música Compuesta Por : John Lurie , Tom Waits


Y la 3, también de Down by Law, es la idea de perspectiva, que sostiene por varios segundos, mientras los personajes se alejan. Brillante la locación, para transmitir la sensación de "separación" o "bifurcación".



4.





Pasqualino Settebellezze es una película italiana de 1976 escrita y dirigida por Lina Wertmüller y protagonizada por Giancarlo Giannini en su papel principal.


En la 4, una toma que dura dos o tres segundos, nada más. Me resultó muy complicada de captar en el momento exacto, para detener justo la acción en ese instante. Me llamó poderosamente la atención como la directora manejó el tema de la profundidad, la perspectiva (en los fondos de la estación), para otorgar cierta noción de tridimensionalidad que por entonces el cine no tenía.



5.




Smoke (1995)

Dirigida Por Wayne Wang y protagonizada Por Harvey Keitel, William Hurt, Stockard Channing, Forest Whitaker, Harold Perrineau Jr., Ashley Judd.


En esta película Harvey Keitel además de ser quien atiende la cigarrería, tiene como hobby sacar fotografías todos los días a las 8 de la mañana en la misma esquina de Brooklyn. Allí instala el trípode y retrata lo que ocurre ese segundo en la vida de la comunidad. Y va armando un álbum por cada año. Con 365 fotos, correspondientes a cada uno de los días. Y así por décadas. La realidad va cambiando, aunque el espacio permanece inmutable (o casi). La foto número 6 tiene una importancia extra, porque muestra a alguien que para uno de los personajes representa demasiado (no contaremos, para no caer en spoiler).


6.


Smoke


El escritor Paul Auster, autor del guión, fue también co-director (aunque no conste así en los créditos)


Fotos: capturas de pantalla propias


17.2.14

Dogville: Despojada y Simbólica




Ésta es la triste historia de Dogville, un pueblo de las Montañas Rocosas donde la carretera muere al lado de una vieja mina de plata abandonada. Los habitantes de Dogville son gente honrada y aman a su pueblo.






La casa de Tom (Paul Bettany) había conocido épocas mejores pero seguía siendo la más bonita del pueblo. El padre de Tom (Philip Baker Hall), un antiguo médico, cobra una modesta pensión. Tom es escritor.





Esa noche, mientras vuelve a casa siguiendo la Calle del Olmo (un alma sensible de la Costa Este había dado ese nombre a la calle mayor a pesar de que ningún olmo se había visto nunca en Dogville), Tom oye unos disparos procedentes del valle. Se sienta en el banco para reflexionar, pero pronto le interrumpen los ladridos de Moisés. El perro parece querer avisarle de que algo grave pasa.
Se llama Grace (Nicole Kidman). No ha escogido Dogville en un mapa, ni tampoco para hacer turismo, pero Tom se da cuenta inmediatamente de que es el pueblo ideal para ella. Al ver un coche lleno de hombres armados detrás de la bella fugitiva, Tom la esconde y les dice que no ha visto nada.






Partiendo de la esencia fílmica del movimiento Dogma, desnudando el escenario de naturaleza teatral hasta el minimalismo en base a una representación experimental, abstracta, artificiosa y desabrigada que subraye los elementos significativos de personajes y espacios, el danés Lars von Trier desarrolla un elocuente drama de incisión moral, austeridad tonal y rasgos irónicos en donde a través de las vivencias de la protagonista en una aislada microsociedad se retrata la sociedad entera, el poder de las masas, la tergiversación de los hechos por conveniencias y lo poco que sirve ir con buenas intenciones por la vida.Tònia Morales





Hablar de un film de Lars Von Trier es hablar sobre todo de innovación, de cine nuevo en todos los sentidos. De este autor danés se puede decir ya que es uno de los grandes directores del actual cine europeo, sino el más grande. Su genialidad parece no tener límites y película tras película deja el listón más alto conformando así una filmografía de claro carácter ascendente. Leonard Zelig






Un pueblo sin Dios. Un pueblo sin capacidad para recibir y por ende sin posibilidad de cambio. Un pueblo mezquino preocupado por lo que no es importante. En otras palabras, un pueblo humano. Sí, porque en Dogville se invierte la idea canónica de humanismo. Sin duda la pregunta que subyace a esta película montada como una obra de teatro es qué es ser humano. En el pueblo destacan entre sus habitantes un ciego que simula ver, niños que en el universo de William Blake se ubicarían en los poemas de la experiencia, un médico hipocondríaco y Tom, un escritor que se autoengaña dando sermones acerca de utopías que no son si quiera soñadas por los habitantes de Dogville. Viviana Vázquez



Bajo la benevolencia de los habitantes se esconde toda la verdad humana y el pueblo no resultará ser lo que Grace creía. Pero ella esconde un secreto, algo con lo que Dogville no cuenta y que llevará a un final totalmente inesperado, terrorífico, casi traumático, pero extrañamente coherente. Dogville, es una durísima reflexión sobre la conducta del ser humano, sobre su avaricia y su egoísmo, y sobre sus consecuencias. No es una historia bella, ni agradable, sino sólo tristemente real. Uno se da cuenta de que el mundo está lleno de Dogvilles y de que, sin ellos, la vida sería mejor. Éowyn












DOGVILLE (2003) Director: Lars von Trier Intérpretes: Nicole Kidman, Paul Bettany, Philip Baker Hall, Chloe Sevigny




Dijo Lars Von Trier al momento de presentar DOGVILLE:Me inspiraron dos cosas a la hora de escribir DOGVILLE. Cuando estuve en Cannes con “Bailar en la oscuridad”, unos periodistas me criticaron por haber hecho una película que transcurría en EE UU sin haber pisado nunca el suelo de ese país. El comentario me irritó. Que yo recuerde, ninguno de los que rodaron “Casablanca” había puesto el pie allí. Me pareció injusto y entonces decidí hacer más películas acerca de EE UU Eso fue lo primero.Luego, tuve la ocasión de oír “Jenny la pirata”, una canción de la “Ópera de perra gorda”, de Bertolt Brecht. Es una canción muy fuerte y el tema de la venganza me gustó.Había que encontrar un lugar aislado para rodar la película, los hechos descritos por “Jenny la pirata” transcurren en un pueblo recóndito. Decidí ubicar Dogville en las Montañas Rocosas porque, al no haber ido nunca, me parecen fantásticas. ¿Qué montañas no son “rocosas”? ¿Quizá éstas lo sean mucho más? Parece un nombre sacado de un cuento de hadas. También decidí que la historia tendría lugar durante la crisis del 29, la atmósfera me pareció adecuada.Me sentía inspirado por las fotos en blanco y negro realizadas por el gobierno americano en la época, pero nunca me vino a la mente hacer una película en blanco y negro. Equivale a colocar un filtro entre uno y el público, una forma de estilización. Cuando se realiza una película que ya tiene algo muy extraño (el hecho de que el pueblo esté dibujado en el suelo), el resto debe ser de lo más normal. Si hay demasiados elementos chocantes, el público se alejará de la película. Es importante no abordar demasiadas cosas a la vez para que la gente no huya. Además, cuando se experimenta, no hay que cambiar más que un elemento cada vez.






Contenidos Propios y de fuentes citadas



16.2.14

Oblómov, de Mikhalkov: el ocio como bandera


Sinopsis 


En Rusia, a fines de siglo XIX, Oblomov, heredero de una familia aristócrata, renuncia a su carrera de funcionario público y se refugia en su propiedad campestre.






Oblomov tiene una sola pasión en la vida: dormir. Andrei, su amigo de la infancia, dinámico y ambicioso, trata de sacarlo de su apatía, pero las obligaciones no significan nada para Oblomov, a pesar de que el ambiente que lo rodea es de una constante agitación y está lleno de tentaciones mundanas.

Reparto

Oleg Tabakov, como Ilya Ilyich Oblomov
Yuri Bogatyryov, como Andrei Ivanovich Stoltz
Andrei Popov, como Zakhar
Yelena Solovey, como Olga
Avangard Leontyev, como Alexeyev
Andrei Razumovsky, como Ilya niño
Oleg Kozlov, como Stoltz niño
Yelena Kleshchevskaya, como Katya
Galina Shostko, como la tía de Olga
Gleb Strizhenov, como Barón
Yevgeni Steblov, como el padre de Oblomov
Yevgeniya Glushenko, como la madre de Oblomov
Nikolai Pastukhov, como el padre de Stoltz





Críticas

Adaptar una obra literaria al cine implica un método de trabajo que tiene que ver más con los valores de la cinematografía que con la anquilosada idea de que una película tiene que respetar la esencia del texto. La cinta no tiene por qué decir lo mismo que el original, porque son formas artísticas diferentes. Hay guionistas que hablan de leer varias veces la obra para después traducir a imágenes las ideas de la historia. La película es un ejemplo de cómo se logra una obra maestra, partiendo de otra, como si la adaptación se tratara de una extensión de la novela, o mejor, como si el objetivo de la película fuera multiplicar el placer del relato literario.






Suele suceder que una adaptación cinematográfica es más complicada que una historia original, porque compromete a un trabajo más minucioso, del que se vanaglorian el guionista y el director.


Así dijo Nikita Mikhalkov: "Mi película es como la música, donde las imágenes deben preceder a las variaciones de ritmo rápidos, para capturar y mantener los impulsos emocionales del espectador. "






Entre la comedia, el drama y el ensueño, esta obra maestra de Nikita Mikhalkov traduce para el cine la esencia que le otorgó Goncharov, con estilo refinado y la narrativa, que ilumina el carácter de Oblómov con una mirada sensible y tolerante, retrata su melancolía por el pasado y su frágil equilibrio con el mundo al que se le pidió, en vano, pertenecer.



Fotografías propias de capturas de pantalla

Hay versiones para descarga en su idioma original (ruso)

En italiano

En inglés


No encontré en español.


Subtítulos

14.2.14

La culpa es de Andrei





Descubrir Andrei Tarkovski a través de La Infancia de Iván o La pasión de Andrei Rublev, entre otras, y sentir perplejidad, conmoción y trascendencia, es sentir que se pasó el umbral. Un umbral invisible que nos introduce al mundo del Cine, el más profundo, el más tremendo, el que posee una fuerza que puede cambiarte la visión de tu realidad, tal y como la habías percibido hasta ese momento.


Haber experimentado tal revolución interior marca el declive, la inexorable caída al olvido, del "otro" cine. Ese que uno disfruta porque es lo que ofrece el menú, una carta sin pretensiones, sin sueños, sin altura. Un almuerzo ejecutivo que sólo sirve para mitigar el hambre, pero jamás para saciarlo. Un "tentempié" pleno de diversión, mensajes vacíos y colorido envase. Pero claro, uno eso lo descubre después de ver la magnificencia de Tarkovski, imposible antes.







Y esa puerta nos introdujo a los grandes genios de la cinematografía mundial. Y nos dio elementos, recursos, posibilidades para gozar otras obras, distintas en sus concepciones estéticas, estilísticas, ideológicas, pero de factura renovadora, osada, digna, sutil, propia y proyectada.


Tarkovski despertó el instinto. Nos abrió el apetito, el deseo, la necesidad de más y mejor cine. 


Y en saciarlo es donde nos encuentra la vida, hoy. Y es lo que este blog tratará de compartir con ustedes.


Y vamos por Godard, por Truffaut, por Welles, por Scorsese, por Wenders, Herzog, Jarmusch, Mikhalkov, Fellini, Pier Paolo, Favio..... 


Y vamos por más. Por todos. 
Si al fin de cuentas, el mundo está hecho de fotogramas.