27.4.14

Natacha Rambova, la Sra. Valentino... y algo más



Su carácter innovador hizo que hasta el propio Erté alabara su obra.

Natacha Rambova fue diseñadora de vestuario y decorados, directora artística, guionista, productora cinematográfica y actriz ocasional en la época del cine mudo. También se dedicó al diseño de modas y a la egiptología. Su verdadero nombre era Winifred Shaughnessy y nació en Salt Lake City, Utah, el 19 de enero de 1897.

Con dotes para el ballet, estudió con Rosita Mauri en la Ópera Garnier. Desde niña conoce, por sus diferentes viajes, todo el movimiento alrededor de la danza que se daba en las principales capitales europeas. Tras insistir con su familia, finalmente se le permitió viajar a Nueva York, donde estudió bajo las órdenes de Theodore Kosloff. En esa época, con 17 años, cambió su nombre a Natacha Rambova.





Natacha se enamoró de Kosloff, de 32 años, casado y con una hija inválida en Europa, y la pareja inició una tempestuosa relación. La madre de la artista acusó de estupro y secuestro a Theodore, esperando que fuera deportado a Rusia. Rambova, a fin de ocultarse de su madre, se trasladó a Canadá e Inglaterra. Al ser retirados los cargos, la joven parte de gira con la compañía de su profesor y amante donde, además de bailar, incursiona en el diseño del vestuario. Cuando la gira finaliza, Kosloff fue contratado por Cecil B. DeMille para actuar y para trabajar en diseños, con los que colabora Natacha. En una maniobra que no tardaría en quedar expuesta, Theodore aprovechó los diseños de Rambova utilizándolos como propios.

Al poco tiempo, el coreógrafo conoce a la actriz rusa Alla Nazimova y envía a Rambova para que le muestre diseños. Nazimova acabó enterándose de que la muchacha era realmente la diseñadora, por lo que le propone un puesto como directora artística y diseñadora de vestuario, ofreciéndole 5.000 dólares por película.

Pero mientras eso ocurría y antes de firmar para Nazimova, el trabajo de Rambova fue utilizado en cuatro filmes de DeMille, entre ellos Why Change Your Wife?, interpretado por Gloria Swanson y Thomas Meighan. Su primer título con Nazimova fue Billions, en 1920.

Natacha y Rodolfo

En el rodaje de Uncharted Seas en 1921 conoce a Rodolfo Valentino, empezando a trabajar juntos en Camille. Hans Poelzig y Emil-Jaques Ruhlmann fueron su inspiración para varios decorados de la película, determinada a traer el art decó a Estados Unidos, movimiento que ya estaba transformando el cine en Europa.

La Metro decide finalizar el contrato con Nazimova ante el fracaso del film y en 1922 Natacha también deja los estudios para trabajar en las producciones de la actriz.

Su siguiente diseño es en el film A Doll's House, a lo que continuaría Salomé en 1923. Los diseños se basaron en dibujos de Aubrey Beardsley y además de trabajar en el diseño de vestuario, Rambova contribuyó al guión del film bajo el alias "Peter M. Winters". La película fue un fracaso de taquilla, y fue uno de los últimos estrenos de Nazimova, además de ser su última colaboración con Rambova.

Con Rodolfo Valentino empezaron a vivir juntos al cabo de un año de conocerse, pero tuvieron que separarse mientras duraba el proceso de divorcio del actor con Jean Acker. Una vez divorciado, se casaron el 13 de mayo de 1922 en Mexicali, México. Sin embargo la ley exigía que pasara un año antes de volver a casarse, por lo cual Valentino fue arrestado por bigamia. June Mathis, George Melford y Thomas Meighan pagaron la fianza. 


Finalmente, ambos se volvieron a casar, esta vez de manera legal, el 14 de marzo de 1923, viviendo hasta entonces separados.


Natacha y Rodolfo

Rambova comenzó a diseñar vestuario para Rodolfo Valentino en su película The Young Rajah, que terminó siendo uno de los mayores fracasos del actor.

Valentino cambia de manager, y el nuevo – George Ullman – sugiere que la pareja inicie una gira de baile que sirviera para promocionar a la estrella masculina. Ambos estuvieron de acuerdo, y la gira fue un gran éxito, apareciendo la joven con el seudónimo de Winifred Hudnut.

La prensa empezó a culpar a Rambova de los errores en la carrera de Valentino, pues ella era su principal asesora. En 1924  la joven había negociado un contrato con J.D. Williams para que Rodolfo firmara para Ritz Carlton Pictures, dando más asidero a los rumores periodísticos.

La estrella estuvo dos años sin rodar hasta que regresó con Monsieur Beaucaire, película en la que su mujer fue diseñadora de vestuario y directora artística. El film tampoco tuvo éxito, a pesar de su gran presupuesto.

El matrimonio empezó a trabajar en el siguiente film, A Sainted Devil, donde Rambova toma el control de la producción, especialmente del vestuario y del reparto. Aunque Joseph Henabery era el director, la artista lo sustituyó extraoficialmente.

De nuevo Rambova diseñó unos vestuarios muy fastuosos, trabajando junto a dos diseñadores, Norman Norell y Adrian, que más adelante tendrían carreras de éxito. Sin embargo, también A Sainted Devil fue un fracaso, dañando en gran medida a la carrera de Valentino.

Sin darse por vencidos, la pareja intenta con el rodaje de The Hooded Falcon. Natacha escribe el argumento y trabaja en la producción. El proyecto tuvo problemas desde el principio, tanto de distribución como de financiación. Rambova también tomó la decisión de que se cambiara el guión, lo que provocó el fin de la relación del matrimonio con la escritora June Mathis.


Natacha y Rodolfo

Con el film postergado, los estudios presionan para que comience la filmación de Cobra. Empleando al mismo reparto que tenían previsto para The Hooded Falcon, Rambova solo tomó parte en dos escenas antes de abandonar el proyecto, tras tener disputas con varios actores. Cobra también fue un fracaso, con lo que la fama y la carrera de Valentino quedaron en duda. Tras semejante cadena de frustraciones, el actor firmó un contrato con United Artists, con la condición de que Natacha no formara parte de sus películas.

Rambova recibió 30.000 dólares para hacer un film según su criterio, a manera de compensación. Comenzó a trabajar con What Price Beauty?, película que escribió y produjo, y en la cual también actuó. Estaba protagonizada por Nita Naldi, y debutaba en la pantalla en un pequeño papel la futura estrella Myrna Loy.
Al mes de que Valentino empezara el rodaje de The Eagle, Rambova lo abandona, anunciando la separación poco más tarde. Aunque ambos compartían pasiones similares, Valentino y Rambova eran muy diferentes en su concepción de la vida doméstica y personal. Así, Valentino quería tener hijos, algo a lo que se negaba Natacha, quien tampoco congeniaba con la familia y con los amigos de Rodolfo.

Una vez iniciado el divorcio de Valentino, Rambova produjo e interpretó otra película, Do Clothes Make the Woman?, en la que trabajó junto a Clive Brook. La cinta finalmente se retituló When Love Grows Cold. Natacha quedó muy contrariada cuando en la distribución ella fue llamada "Mrs. Valentino", y a causa de ello no volvió a actuar en el cine.

Tras la muerte de Rodolfo Valentino, Rambova actuó en el vodevil y en el teatro en Broadway. También escribió una obra que no llegó a representarse, All that Glitters, que supuestamente detallaba su vida con el actor.



En 1927 abrió una tienda de alta costura en la Quinta Avenida que se mantuvo activa hasta 1934.

En un viaje a Europa en 1934, Rambova conoció a Álvaro de Urzaiz, un aristócrata español, con educación británica. La artista se mudó a vivir con él a la isla de Mallorca hasta que se desencadenó la Guerra Civil Española. Con su segundo marido, se dedicó a la compra de propiedades en Mallorca, modernizándolas para los turistas. Urzaiz formaba parte del bando nacional, llegando a ser un comandante naval. Con la guerra en España, Natacha se trasladó a Niza, donde sufrió un infarto agudo de miocardio a los 40 años. Poco después, el matrimonio se divorció y ella permaneció en Francia hasta la invasión alemana en la Segunda Guerra Mundial, momento en el que volvió a Nueva York.

Rambova se fue interesando cada vez más por la Metafísica en los años cuarenta, dando apoyo económico a la Fundación Bollingen. Publicó varios artículos sobre curación y astrología y ayudó a descifrar inscripciones egipcias, editando una serie de publicaciones titulada "Egyptian Texts and Religious Representations".

Un primo la trasladó – a mediados de los ’60 - a Pasadena (California), afectada por una esclerodermia, que le produjo malnutrición y delirios. Allí falleció el 5 de junio de 1966 a causa de un ataque cardíaco, a los 69 años.


Los diseños escénicos de Natacha Rambova estaban notoriamente influenciados por el Art Nouveau y posterior Art Déco. El trabajo que creó para “Salomé” fue especialmente expresivo y dramático y poco habitual dentro del estilo realista de la obra cinematográfica. Basado en las ilustraciones que hiciera a finales del siglo XIX el artista Aubrey Vincent Beardsley para la obra de Oscar Wilde, merece que sea visualizada la transferencia escénica de la ilustración pictórica. 


Natacha y Rodolfo, trabajando juntos



24.4.14

FICIC 2014: Programación Oficial


El festival anuncia las películas que han sido seleccionadas para participar de la competencia oficial, el concurso cortos de escuela, retrospectiva y focos. FICIC lanzó su convocatoria en el mes de Noviembre 2013, y recibió más de 850 películas de 54 países para la pre-selección.






Las películas seleccionadas para la 4º edición de FICIC, son :
  • Categoría LARGOMETRAJE FICCIÓN


· Atlántida. Dir. Inés María Barrionuevo. Argentina, 2014

· Club Sándwich – Dir: Fernando Eimbcke. México, 2013

· El escarabajo de oro. Dir. Alejo Moguillansky, Fia-Stina Sandlund. Arg, Suecia, Dinamarca

· El rostro. Dir. Gustavo Fontán – Argentina, 2014

· Historia del miedo. Dir Benjamín Naishtat – Arg, Francia, Alemania, Uruguay, Qatar, 2014

· La última película. Dir. Raya Martin, Mark Peranson. Canadá, Dinamarca, Filipinas, México, 2013

· Mauro. Dir. Hernán Rosselli. Argentina, 2014

· Réimon. Dir. Rodrigo Moreno. Argentina, 2014

· Si estoy perdido, no es grave. Dir. Santiago Loza. Argentina, 2014



Jurado: Horacio Bernades – José Celestino Campusano - Marcela Gamberini



  • Categoría LARGOMETRAJE DOCUMENTAL



· Carta a un padre. Dir. Edgardo Cozarinsky. Argentina – Francia, 2013

· Costa da Morte. Dir. Lois Patiño. España, 2013

· Dos metros de esta tierra. Dir. Ahmad Natche. Palestina, 2012

· El asombro. Dir. Iván Fund, Santiago Loza, Lorena Moriconi. Arg, 2014 (Estreno mundial)

· Escuela de sordos. Dir Ada Frontini. Argentina, 2013

· Ramón Ayala. Dir. Marcos Lopez. Argentina, 2013

· The Joycean Society. Dir. Dora Garcia. Bélgica, 2013



Jurado: Fernando Martín Peña – Germán Scelso – Teresa Arredondo



  • Categoría CORTOMETRAJE

· Ahora es nunca. Dir. Pablo Acosta Larroca, Nicolás Aponte A. Gutter. Argentina, 2014

· Backwards. Dir. Sol Muñoz- Ana Apontes. Argentina, 2014

· ¡Bello, bello, bello! Dir. Pilar Alvarez. Cuba, 2013 (Estreno nacional)

· Dos experiencias en el bosque. Dir. Alejo Franzetti. Argentina, 2014

· El Adán. Dir. Natalia Nogueira – Adrián Suárez. Argentina, 2014

· El palacio. Dir. Nicolas Pereda. México, Canadá, 2013 (Estreno latinoamericano)

· El pasito de onda. Dir. Guillermina Pico. Argentina, 2013

· Hilda. Dir. Daniela Moldes. Argentina, 2014

· Las aguas del olvido. Dir. Jony Perel. Argentina, 2013

· La reina. Dir. Manuel Abramovich. Argentina, 2013

· Montaña en sombras. Dir. Lois Patiño. España, 2012

· No se María. Dir. Paula Grinszpan. Argentina, 2014

· O archipelago. Dir. Gustavo Beck. Brasil, Chile, 2014

· Padre. Dir. Santiago Bou Grasso. Argentina, 2013

· Que caigo? Dir. Eduardo Williams. Argentina, Francia, 2013

· Salers. Dir. Fernando Domínguez. Argentina, 2014

· Sociales. Dir. Mariano Luque Argentina, 2013



Jurado: Guillermo Franco – Juliana Rodríguez – Pablo Ratto



  • 2º Concurso CORTOS DE ESCUELA:

Fueron seleccionados 11 cortometrajes (120 enviados por convocatoria) para competir en este nuevo concurso que buscar brindar un espacio de proyección para las obras de los estudiantes y acercarlos al festival.


Almateur. Dir. Emiliano Lavezzini. Córdoba UNVM
Cuestión de té. Dir. María Monserrat Echeverría. Buenos Aires CIC
Dubay. Dir. Diego Martínez. Córdoba UNC
El libro. Dir. Gonzalo Moncalvillo. Córdoba La Metro
El resucitador de Gliptodontes. Dir. María Jimena Nores. Córdoba UNC
En vísperas. Dir. Juan Pablo Bozza. Buenos Aires Cievyc
Falcón. Dir. Rafael Pérez Boero Córdoba UNC
Íntimos extraños. Dir. Lara Persano. Buenos Aires UBA
La fuga. Dir. Ignacio Lavizzari. Buenos Aires Da Vinci
Nueva de Fujian. Dir. Analía Orfila. Buenos Aires CIC
Pura sangre. Dir. Mauro Beccaria. Córdoba UNC



Jurado: Gabriel Lahaye – Hebe Estrabou – Mónica Lairana



La cuarta edición de FICIC contará con una Retrospectiva Internacional dedicada al joven director Filipino John Torres; se podrán ver largometrajes y cortometrajes: Lukas Nino.- Ang Ninanais - Hai, They recycle heartbreaks in Tokyo so nothing's wasted - Mapang-akit. –Muse – Salat - Silent - Taon noong ako’y anak sa labas / Years when I was a child outside. - Tawidgutom. – Todo todo teros - Very specific things at night. - We don't care for democracy, This is what we want: love and hope and its many faces.



El Recorrido: propone un foco especial de Cine Ruso en 35mm

Viaje al pasado – Rusos en 35mm (Gentileza de Fernando Martín Peña)

El cuarenta y uno. Dir. Sorok P
ervyy,1956

La epopeya de los años de fuego. Dir. Povest Plamennykh Let, 1959

Pirosmani. Dir. Giorgi Shengelaya, 1969



Un espacio dedicado al Cine Cordobés Contemporáneo, en el que se proyectarán tres producciones recientes de la provincia mediterránea.

El grillo - Dir. Matías Herrera Córdoba.

El último verano - Dir. Leandro Naranjo.

La laguna - Dir. Gastón Bottaro, Luciano Juncos.


El miércoles 7 de mayo dará inicio FICIC con la proyección de TRES D, de Rosendo Ruiz, película rodada durante la 3º edición del festival, cuyo estreno mundial tuvo lugar en enero de este año en el Festival Internacional de cine de Rotterdam (Holanda), donde fue exhibida en la prestigiosa sección Bright Future. El film de Ruiz viene de participar de la Competencia Argentina en el último BAFICI.

Con 14 países representados en 65 films, Cosquín se prepara para la cuarta edición de FICIC que se realizará del 7 al 10 de Mayo. FICIC cuenta con el valioso apoyo de la Municipalidad de Cosquín. Próximamente en la web del festival, www.ficic.com.ar podrán encontrar la programación detallada con días, horarios de proyección y de las diferentes actividades que se realizarán durante el evento.

FICIC en las redes sociales: @cosquinfilmfest / fbk: ficic / Instagram: ficic_ok

Acerca de FICIC

El 4° Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín es un evento organizado y producido por Cacique Argentina con el apoyo de la Municipalidad de Cosquín, a su vez cuenta con el apoyo institucional de diversas entidades tales como: INCAA - Secretaría de Cultura de la Nación – Lahayepost- MamaQ – GVPro – Revercine – CCEB - Cámara de Hoteles y Centro Comercial de Cosquín.– Lahayepost - Más info en: www.ficic.com.ar

Para mayor información de prensa FICIC comunicarse con:

Carla Briasco cbriasco@caciqueargentina.com / Of: 011 3980 4280 / Cel: 156 152 8227

Para mayor información de prensa de la Municipalidad de Cosquín, comunicarse con:

Ariel Carrizo prensamunicosquin@hotmail.com

23.4.14

Bandas Sonoras con Vuelo Propio


Melodías que nacieron en la inspiración de grandes compositores y con el objetivo de acompañar producciones cinematográficas que, en la actualidad, revisten la categoría de Clásicos. El impacto que estos sonidos magistrales produjeron en las audiencias de todo el mundo, les dio vuelo propio. Hoy son obras universales, por sí mismas. Aunque a los cinéfilos de ley todavía les sea complicado separar esta música excelsa de las imágenes que las cobijaron en una sala de cine. Cinco maestros que legaron a la humanidad cinco bandas sonoras inolvidables. Aquí están, estos son:

El tercer hombre (1949)
Banda de sonido: Anton Karas


Anton Karas
(7 de julio de 1906, 10 de enero de 1985) fue un músico vienés especialista en la cítara, conocido mundialmente por haber compuesto la banda sonora de la película El tercer hombre (The Third Man) dirigida por Carol Reed en 1949. En 1948, Carol Reed estaba preparando la filmación de su película en Viena cuando encontró a Karas tocando en una taberna vienesa. El director se le acercó y lo contrató para componer la banda sonora de su película.

Poco antes de terminar la película, Carol Reed instaló a Anton Karas en el Hotel Astoria en Viena, donde se le pidió grabar para el equipo durante varias horas. De vuelta en Londres, Reed trató de encajar la música en la película que acababa de filmar, pero no encontrándolo satisfactorio invitó a Karas a grabar en Londres. Karas comenzó a componer el 1 de junio 1949, y durante 12 semanas (14 horas al día) siguió intentándolo una y otra vez, quedándose prácticamente como "prisionero" de Reed en Londres. Después de la grabación, un incendio quemó la sala de edición y más de la mitad del material de Karas, de modo que éste tuvo que empezar todo el trabajo de nuevo. Una vez que la película de Carol Reed estuvo terminada, Karas se fue a la Abadía de Westminster a encender una vela en agradecimiento.

El single lanzado por Karas de la banda sonora de la melodía, "The Harry Lime Theme", se mantuvo en las listas de éxitos en el Top 40 de EE.UU. durante más de tres meses en 1950. En el single fue seguido por un LP de sus piezas y otras canciones publicadas por los vieneses Decca. Karas utilizó las ganancias de la película y los discos para comprar un restó donde se sirven vinos cosechados por los dueños, al que llamó "El tercer hombre", en el distrito vienés de Grinzing. Continuó tocando en su club y posteriormente lanzó otros discos para los mercados austriaco y alemán.





El tercer hombre (The Third Man) es una película británica del año 1949 dirigida por Carol Reed, con Joseph Cotten, Orson Welles y Alida Valli en los papeles principales. El guion fue escrito por Graham Greene. Aunque desde el primer momento le propusieron escribir el guión de una película ambientada en la Viena de posguerra, con la firme presencia de las cuatro potencias ocupantes, Graham Greene optó por escribir la trama en forma de novela. Aquél era el único modo, aseguraba, de poder planificar el guión, el cual sería posteriormente elaborado por el propio novelista y por el productor, Alexander Korda. Greene siempre defendió que la versión de la película era mucho mejor que la del libro (incluido el final, que es distinto), lo cual no impidió que éste fuera editado de todas maneras y se convirtiera en un clásico.


El aporte de Orson Welles al conjunto de la película parece evidente. Welles, que tenía problemas con sus producciones en Hollywood, decidió dar el salto a Europa, donde dirigió y colaboró en varios proyectos, entre ellos éste film de Carol Reed. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en un filme. El plano secuencia del final y la escena de la persecución en los alcantarillados de Viena son igualmente memorables.




Los siete magníficos (1960)
Banda Sonora: Elmer Bernstein


Elmer Bernstein (Nueva York, 4 de abril de 1922 - Ojai, California, 18 de agosto de 2004) fue un compositor estadounidense de música de cine.

Empezó a estudiar con Aaron Copland y luego ingresó en la Academia Juilliard. Empezó a tocar el piano, pero tuvo que incorporarse al ejército durante la Segunda Guerra Mundial, donde compuso música para documentales y también estuvo en la banda militar de Glenn Miller.

Se inició en la música cinematográfica como discípulo de Jerome Moross, Alex North y el propio Aaron Copland.

Sus composiciones cinematográficas alternan el estilo jazzístico y el sinfónico, siendo muchas de sus melodías muy recordadas, como Los siete magníficos (1960) o El gran escape (1963), y también otras composiciones como El hombre de Alcatraz (1962) o Marie Ward (1984).


Ganó un Premio Óscar por Millie, una chica moderna (1967), de las 10 ocasiones en que fue candidato. Compuso también la música para la National Geographic.





The Magnificent Seven es una película estadounidense de 1960, dirigida por John Sturges, con Yul Brynner, Steve McQueen,Charles Bronson, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn, Eli Wallach y Brad Dexter en los papeles principales.

El film se basó en Los siete samuráis de Akira Kurosawa . La melodía principal de la banda sonora, compuesta por Elmer Bernstein, ha sido uno de los distintivos de la película, y fue imitada en un gran número de westerns posteriores. Es considerada un clásico del género western, y fue nominada al Oscar a la mejor banda sonora .






Érase una vez en América (1984)
Banda de Sonido: Ennio Morricone

Ennio Morricone (Roma, 10 de noviembre de 1928) es un compositor y director de orquesta italiano. Es mundialmente conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión.

Sus composiciones han formado parte de más de 20 películas galardonadas como también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965), El bueno, el feo y el malo (1966) o Hasta que llegó su hora (1968). No obstante, su obra se extiende a multitud de géneros de composición convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX. Sus composiciones para Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso son catalogadas como auténticas obras maestras.





Érase una vez en América es una coproducción cinematográfica italo-estadounidense de 1984, dirigida por Sergio Leone, protagonizada por Robert De Niro y James Woods.

Fue la última película dirigida por Sergio Leone, siendo la tercera parte de la trilogía conocida como Once upon a time Trilogy, precedida por las películas Hasta que llegó su hora (1968) y ¡Agáchate, maldito! (1971). Por su duración, se llegó a presentar en las pantallas de cine en dos partes, y la obra grabada se encuentra también en dos partes, aunque en el rodaje no hay intención de intermedio.

Fue galardonada con el premio BAFTA 1984: a la mejor banda sonora (Ennio Morricone), y al mejor vestuario (Gabriella Pescucci).





La leyenda de la ciudad sin nombre (1969)
Banda de Sonido: Frederick Loewe



Frederick Loewe (10 de junio, 1901, Berlín - 14 de febrero, 1988, Palm Springs, California) fue un compositor estadounidense de origen alemán.

Loewe fue un pianista prodigioso; a la edad de 13 años se convirtió en el solista más joven que jamás haya tocado con la Orquesta Filarmónica de Berlín. Estudió con Eugen d'Albert y Ferruccio Busoni. Su canción Katrina que escribió a los 15 años, vendió más de un millón de copias. Al llegar a los Estados Unidos en 1924, añadió música a varias revistas de Broadway.

En 1942 conoció al letrista estadounidense Alan Jay Lerner y trabajaron juntos durante 18 años, de cuya relación se produjeron cinco clásicos musicales. Las diferencias personales pusieron fin a su asociación después de Camelot en 1960, pero se reunieron para hacer la adaptación de su filme Gigi al escenario teatral en 1973 y para escribir las canciones de la película The Little Prince de 1974.





La leyenda de la ciudad sin nombre es una película estadounidense de 1969, dirigida por Joshua Logan e interpretada por Lee Marvin, Clint Eastwood, Jean Seberg, Harve Presnell, Ray Walston y Tom Ligon en los papeles principales. El guion está adaptado por Paddy Chayefsky del musical de 1951 Paint your wagon, de los autores Alan Jay Lerner y Frederick Loewe.

Galardonada con el premio Fotogramas de Plata 1970 al mejor intérprete de cine extranjero (Lee Marvin).







Metrópolis (1927)
Banda de Sonido: Gottfried Huppertz


Gottfried Huppertz (11 marzo 1887-7 febrero 1937) era un compositor alemán más conocido por sus partituras para películas mudas alemanas expresionistas, como la de ciencia ficción épica Metrópolis (1927). Colaboró ​​con el legendario director Fritz Lang en múltiples ocasiones.





Metrópolis es un filme alemán realizado por la productora UFA. Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, una distopía urbana futurista. Este filme fue estrenado originalmente en el año 1927, y antes de la cinematografía sonorizada. Se considera como uno de los máximos exponentes del cine expresionista alemán.

El guion fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de la misma Von Harbou. Metrópolis es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco (otros son los films documentales de los hermanos Lumière, Los olvidados, dirigida por Luis Buñuel de 1950 y El mago de Oz de Victor Fleming de 1939). Fue el primero en poseer esta categoría, amparado en la vívida encarnación de toda la sociedad, y la profundidad de su contenido humano y social.






21.4.14

La dinastía Westmore, artistas del make up


George Westmore fue el gran pionero del maquillaje cinematográfico en Estados Unidos. Era un diseñador de pelucas inglés que en 1917 instaló el primer estudio de maquillaje en Hollywood y fue fundamental en establecer el trabajo del maquillador como parte esencial de la producción cinematográfica. La mayor parte de su carrera, George trabajó de manera independiente tanto en películas como de forma personalizada para estrellas como Mary Pickford. Pero quizás su mayor aporte fue establecer toda una dinastía de maquilladores que revolucionarían este arte en los años siguientes.






Hasta ahora ya han sido cuatro las generaciones de la familia que se han dedicado a servir a Hollywood como maquilladores. Seis fueron los legendarios hijos de George: Perc, Ern, Monte, Wally, Bud y Frank, los cuales muy prontamente eclipsaron el trabajo de su padre haciéndose acreedores del éxito del negocio. Hacia 1926, Monte, Perc, Ern y Bud habían entrado en la industria para convertirse en los principales artistas del maquillaje y de las prótesis de los más importantes estudios de Hollywood.


Desde “Lo que el viento se llevó” hasta “El planeta de los simios”, y pasando por “El jorobado de Notre Dame”, “Star Trek” y los looks de Bete Davis, entre muchos más, los Westmore son los reyes de la transformación facial. De hecho, Universal, Warner Bros., 20th Century Fox, Paramount, todos estos grandes estudios del cine americano los han llamado a ser parte de sus creaciones, y de forma especial les han encargado la confección de mascaras, prótesis y segundas pieles de diferentes personajes de ciencia ficción. Todo esto los llevó a acreditarse una estrella en el paseo de la fama.




La segunda generación de Westmore, Perc, Ern, Monte, Wally, Bud y Frank, todos hijos de George, dominó el arte del maquillaje cinematográfico en los años 30s y 40s (se dice que el 80% de las películas producidas en Hollywood durante esas décadas tenía el apellido Westmore en sus créditos). Wally dirigió por varios años el departamento de maquillaje de Paramount, siendo su trabajo más famoso el maquillaje de la película “Dr. Jekyll and Mr. Hyde” (1931). Para lograrlo, Wally utilizó maquillaje de distintos colores de acuerdo a los pasos de la transformación del personaje y luego durante la filmación se utilizaron filtros de color para las cámaras en la misma secuencia de color en la que se hizo el maquillaje.


Bud Westmore, por su parte, fue el director del departamento de maquillaje de Universal durante toda su carrera y tiene entre sus créditos haber creado, junto con un grupo de artistas, el monstruo protagonista de “Creature from the Black Lagoon” (1936), el cual estaba inspirado en la idea de una rana gigante y cuya producción, que lo convirtió en una de las criaturas más costosas, incluyó construir una cola mecánica, elaborar garras y hacer una máscara de látex con lentes amarillos.Tanto “Creature from the Black Lagoon” como “Dr. Jekyll and Mr. Hyde”, “The Phantom of the Opera” y “The Hunchback of Notre Dame” hicieron parte de una serie de filmes producidos por Universal Studios llamada Universal Monsters. Esta serie, realizada entre 1923 y 1960, fue fundamental para que el maquillaje se volviera protagonista en la producción cinematográfica, pues se encargaron de traer a la vida a las ahora icónicas imágenes de personajes como el Hombre Lobo y Drácula. Pero el maquillaje de monstruos, aunque el más vistoso, no fue el único que empezó a ser más y más importante.




Al igual que Wally y Bud, su hermano Perc Westmore dirigió un departamento de maquillaje de otro de los grandes estudios: Warner Brothers. Entre las películas en las que trabajó, se encuentran “Casablanca” (1942) y “The Treasure of the Sierra Madre” (1948). Su contribución más grande fue la invención de la hair lace wig (peluca de encaje), la cual se adhiere temporalmente a la línea donde comienza el cabello de modo que se ve natural y al tiempo hay poca posibilidad de que se caiga. Este invento se popularizó por fuera del mundo cinematográfico y hoy en día tiene un uso extensivo.



El último de los Westmore en dirigir el departamento de maquillaje de uno de los grandes estudios fue Ern, quien trabajó en RKO durante gran parte de su carrera y tiene el honor de ser el único de sus hermanos en ser reconocido por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS), recibiendo un Oscar Especial por su trabajo en “Cimarron”, el primer maquillador en recibir este tipo de reconocimiento.






Por otro lado, Monty y Frank, aunque no lograron cargos de poder en ninguno de los grandes estudios, contribuyeron también a la historia del maquillaje cinematográfico. Monty fue el maquillador personal de Rodolfo Valentino durante muchos años, creando el look característico de una de las estrellas más importantes de la época, además de ser el encargado del maquillaje de “Gone with the Wind” (1939), mientras que Frank se destacó por ser el inventor de la técnica de pintura con spray, la cual desarrolló en su trabajo en “The Ten Commandments” (1956) para resolver el problema de tener que maquillar a cientos de extras cada día.


La familia, en conjunto, construyó el “Salón Westmore”, que se dedicó a servir tanto a estrellas como al público en general. Las generaciones posteriores a George y sus hijos han perpetuado el apellido, y entre ellos están los hermanos Miguel y Marvin, que se han destacado con la creación de efectos especiales de maquillaje en películas como Blade Runner, La máscara y Toro Salvaje. Además, algunos de los Westmore de la generación actual se han convertido en prominencias del arte del maquillaje, no solo trabajando en películas u obras de teatro, sino también en maquillaje terapéutico para víctimas de quemaduras faciales, enfermedades y accidentes. 

17.4.14

La Pasión según el Cine

La Pasión de Jesús ha inspirado decenas de obras fílmicas, desde los orígenes del cine y hasta la actualidad. En diferentes perspectivas, centrándose en uno u otro evangelio de la Biblia, versiones libres, orientadas a algunos de sus personajes, en determinados momentos de la vida y calvario de Cristo, en su crucifixión o resurrección, delineando historias de ficción, mudas y sonoras, blanco y negro o color, para niños y adultos, entre muchísimas otras posibilidades. De la inagotable fuente cinematográfica sobre el tema, referenciamos diez películas emblemáticas que sirven de inmejorable compañía en esta Semana Santa.



1.La Passion de Notre-Seigneur Jésus Christ (Francia, 1902). D: Ferdinand Zecca, producida por la casa Pathé con fotografía de Segundo de Chomón. El público acogió el filme con entusiasmo, y Zecca decidió entonces ampliar el proyecto, escribiendo un guión más amplio que abarcaba la vida entera de Jesús. Entre 1903 y 1906, filmó otras escenas que incorporó a las ya rodadas; y al final, la cinta contenía 37 cuadros que contaban la vida entera de Cristo.











2.Rey de reyes (título original en inglés: The King of Kings) es una película estadounidense de Paramount Pictures de 1927, dirigida por Cecil B. DeMille.

La película narra la vida de Jesús de Nazaret, en concreto las últimas semanas antes de la Crucifixión. La película es muda y está filmada en blanco y negro, menos las últimas secuencias que se rodaron en Technicolor. Se estructura a base de textos extraídos de los Evangelios que aparecen en la pantalla antes de cada escena y que permiten al espectador seguir la historia. La película destaca por ser la primera gran obra del cine a la figura de Jesús y por el cuidado especial de la imagen, muy poderosa en una obra que, pudiendo haber sido rodada con sonido (ya existía el cine sonoro), DeMille prefirió seguir la estética del cine mudo.

Protagonistas: H.B. Warner, Dorothy Cumming, Ernest Torrence, Joseph Schildkraut,
James Neill








3.Golgotha, película francesa de 1935 dirigida por Julian Duvivier. Con Harry Baur, Jean Gabin, Robert Le Vigan, Charles Granval, André Bacqué, Hubert Prélier, Lucas Gridoux, Edmond Van Daële, Edwige Feuillère, Juliette Verneuil. De 95 minutos de duración, el film muestra una meticulosa adaptación sobre los últimos días de Jesucristo, siguiendo escrupulosamente el texto del evangelio según San Mateo.








4.The Robe (El manto sagrado en Hispanoamérica y La túnica sagrada en España) es una película estadounidense de 1953 dirigida por Henry Koster y basada en la novela histórica homónima de Lloyd C.Douglas, publicada en 1942. Está protagonizada por Richard Burton, Jean Simmons y Victor Mature en los papeles principales.

Obtuvo tres candidaturas al Premio Oscar en 1954, incluyendo las de mejor película, mejor actor principal (Richard Burton), y mejor fotografía. Ganó el Globo de Oro 1954 a la mejor película - Drama, y luego fue galardonada con dos Premios Oscar 1954, a la mejor dirección artística y mejor diseño de vestuario.

Poco después se produjo una secuela, Demetrius and the Gladiators, en 1954.






5.Barrabás es una película italiana realizada en 1962, que desarrolla la supuesta vida de Barrabás después de la muerte de Jesucristo. La película fue dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Anthony Quinn, Silvana Mangano, Katy Jurado, Arthur Kennedy, Harry Andrews, Ernest Borgnine, Vittorio Gassman y Jack Palance.

El film está basado en la novela de Pär Lagerkvist, Premio Nobel de Literatura en 1951.








6.El evangelio según San Mateo es una producción italo-francesa de 1963, escrita y dirigida por Pier Paolo Pasolini. Resulta sorprendente que el prestigioso cineasta Pier Paolo Pasolini, que se declaraba ateo y comunista, fuera tan fiel y respetuoso con el evangelio que da título al film, y que se lo dedicaría al Papa Juan XXIII.

Susanna Pasolini, madre de Pier Paolo, aparece en el film encarnando a la anciana Virgen María.

El papel de Jesús está interpretado por un sindicalista español de 19 años, Enrique Irazoqui, que había ido a Italia en busca de apoyo para su lucha antifascista.

También aparece el filósofo y escritor Giorgio Agamben en el papel de Felipe.

El productor de la película, Alfredo Bini, quiso haber rodado la película en Tierra Santa, pero tras un viaje de Pasolini a Palestina e Israel (del que queda el testimonio de su documental Sopralluoghi in Palestina) se decidió localizar la película íntegramente en el sur de Italia. 







7.La historia más grande jamás contada es una película estadounidense de 1965, sobre la vida de Jesús de Nazaret, producida por la United Artists y dirigida por George Stevens (algunas escenas por Jean Negulesco y David Lean). Max von Sydow interpretó el papel de Cristo, acompañado de un gran número de estrellas cinematográficas del momento en Hollywood, como Charlton Heston en el papel de Juan el Bautista, y Telly Savalas como Poncio Pilatos.

La historia más grande jamás contada se estrenó el 15 de febrero de 1965 en Nueva York. Fue realizada en Ultra Panavisión 70, y proyectada en las grandes ciudades en Cinerama de 70 mm.

El guion se basa en el libro de Fulton Oursler.

La música fue compuesta y dirigida por Alfred Newman (quien había escrito también la música para La conquista del Oeste), además de incorporar partes del Mesías de Haendel y el Requiem de Giuseppe Verdi, adaptados por Ken Darby.







8.Jesus of Nazareth (en Latinoamérica Jesús de Nazareth) es una miniserie para televisión angloitaliana de 1977 que dramatiza el nacimiento, vida, ministerio, muerte y resurrección de Jesús según los relatos de los cuatro Evangelios canónicos del Nuevo Testamento.

La miniserie fue dirigida por Franco Zeffirelli, y producida por Lew Grade a través de su compañía CCI Entertainment. Zeffirelli coescribió el guión con Anthony Burgess y Suso Cecchi d'Amico. Se rodó en Túnez y Marruecos con un reparto de estrellas del cine, tanto europeas como estadounidenses. La versión sin cortes solo está disponible en DVD. La duración total de la producción es de 6 horas y 21 minutos.

Jesús de Nazaret se estrenó el 27 de marzo de 1977 en la cadena de televisión británica ITV. Su estreno estadounidense fue en la NBC, el 3 de abril de 1977, con motivo de la Semana Santa.






9.La Pasión de Cristo (también conocida como La Pasión ) es una película estadounidense de 2004, dirigida por Mel Gibson y protagonizada por Jim Caviezel como Jesucristo. Recrea la Pasión de Jesús de acuerdo al Nuevo Testamento y los Evangelios de Mateo, Marcos, Lucas y Juan. También se basa en otros devocionales, como en los descritos por Anne Catherine Emmerich.

La película fue rodada íntegramente en Italia. Los exteriores se rodaron en Basilicata, en las ciudades de Matera y Craco; los interiores se rodaron en los estudios de Cinecittà, Roma.

La Pasión tiene una peculiaridad, y es que se rodó en latín, hebreo y arameo con subtítulos.

Fue nominada a tres Premios Óscar de la Academia: mejor maquillaje, mejor banda sonora y mejor fotografía. Ganó 17 premios de cine y fue nominado a otros 13.







10.The Inquiry En busca de la tumba de Cristo en España, La investigación en Argentina — es una película dirigida por Giulio Base. Remake de la película de 1986 L'inchiesta dirigida por Damiano Damiani.

Protagonistas: Daniele Liotti, Dolph Lundgren, Mónica Cruz, Hristo Shopov, Max von Sydow, Vincenzo Bocciarelli, Ornella Muti.

Tres años después de la crucifixión de Jesús de Nazareth los rumores de que él es un profeta que ha surgido de entre los muertos están incitando a la gente a rebelarse contra sus gobernantes. En un intento por controlar los disturbios, el emperador romano Tiberio (Max von Sydow) envía a Tito Valerio (Daniele Liotti), un leal oficial romano, a Judea a buscar a Jesús o su cuerpo desaparecido y refutar la historia. Valerio pronto se encuentra frenado en su investigación por el gobernador Poncio Pilato (Hristo Shopov).



15.4.14

Florence Lawrence, la Chica Biograph





En 1910, Estudios Universal realizó el primer intento de lanzar una estrella, esto es, promocionar a una actriz como bien de consumo rentable. Se creó una agitación en la prensa simulando la desaparición o muerte de Florence Lawrence, a quien la compañía había contratado recientemente. Poco después, "apareció con vida" en Missouri, siendo anunciada en la primera plana de todos los periódicos. Multitudes de fanáticos la asaltaron arrancándole la ropa y asediándola por autógrafos. 





Nació como Florence Annie Bridgwood en Hamilton (Ontario, Canadá). Hija de Charlotte A. Bridgwood, una actriz de vodevil conocida con el nombre artístico de Lotta Lawrence. Fue a colegios locales y practicó diferentes deportes, en particular equitación y patinaje sobre hielo. Tras graduarse, Lawrence se unió a la compañía teatral de su madre, con la que luego se trasladaría a New York en 1906.

Durante la primavera y el verano de 1906, Florence se presentó, sin éxito, a varias audiciones de producciones de Broadway. Sin embargo, el 27 de diciembre de 1906 fue contratada por la Edison Manufacturing Company para el papel de la hija de Daniel Boone en la película Daniel Boone o Pioneer days in America. Le dieron el papel porque sabía montar a caballo. También su madre participó en la película y les pagaron 5 dólares al día por dos semanas de filmación al aire libre con bajas temperaturas.

En 1907 trabajó para la compañía Vitagraph de Brooklyn, Nueva York, en el papel de Moya, una campesina irlandesa.

En la primavera de 1908 fue la protagonista en The Dispatch Beare. Debido a sus habilidades de equitación, le dieron papeles en 11 películas durante los siguientes 5 meses.



En Vitagraph coincidió con un joven actor, Harry Solter, que buscaba a una hermosa jinete para protagonizar una película que iba a ser producida por los Estudios Biograph. El proyecto iba a ser dirigido por D.W. Griffith. El director se había fijado en la bella mujer rubia en una de las películas de Vitagraph. En ese film los actores no aparecían en los créditos, así que Griffith tuvo que preguntar hasta saber que era Florence Lawrence y concertar una entrevista. Griffith tenía intención de darle el papel a la actriz principal de los estudios, Florence Turner, pero Lawrence consiguió convencer a Solter y a Griffith de que ella era la más adecuada para el papel protagonista en The Girl and the Outlaw. En Vitagraph ganaba 20 dólares a la semana, trabajando como actriz y como costurera. Griffith le ofreció un trabajo, solo como actriz, por 25 dólares a la semana y ella aceptó sin dudarlo.

En total, actuó en la mayoría de las 60 películas que dirigió Griffith en 1908. Hacía finales de ese año se casó con Harry Solter. Lawrence consiguió rápidamente popularidad, pero como su nombre no se publicaba, los fans empezaron a escribir al estudio pidiéndolo. Incluso cuando su cara se reconocía casi en todas partes, después de protagonizar la exitosa Resurrection, los Estudios Biograph solo la nombraban como The Biograph Girl. Durante los primeros años del cine, los actores del cine mudo no salían en los créditos, porque los dueños de los estudios temían que la fama llevara a los actores a reclamar mayores sueldos.

Consiguió que le pagaran semanalmente en lugar de al día, y recibió el doble del sueldo normal. Obtuvo mucha popularidad la primera serie de comedias, Jones. Ella fue la Señora Jones en unas veinte películas. Aún más populares que la serie Jones fueron las historias de amor que protagonizó con Arthur Johnson. Hacían de marido y mujer en The Ingrate, y de amantes adúlteros en Resurrection

Lawrence y Solter empezaron a buscar trabajo en otros estudios, escribiendo a la compañía Essanay para ofrecer sus servicios como actriz principal y director respectivamente. Pero Essanay informó de esta oferta a Biograph y fueron inmediatamente despedidos.





Al quedar libres, el matrimonio se unió en 1909 a Independent Moving Pictures Company of America (IMP). La compañía fue fundada por Carl Laemmle, dueño y fundador también de Universal Pictures, que más tarde absorbió a IMP. Laemmle buscaba actores y directores con experiencia. Atrajo a Florence con la promesa de una marquesina con su nombre. Aunque primero, Laemmle extendió el rumor de que Lawrence había muerto atropellada por un coche en la ciudad de Nueva York.

Entonces, tras conseguir la atención de los medios, puso anuncios en los periódicos declarando que ella estaba viva y en perfecto estado y que estaba grabando The Broken Oath, la nueva película de IMP, dirigida por Solter. En ese momento, Laemmle hizo que Lawrence apareciera en público en Saint Louis, Missouri, en marzo de 1910, con el actor protagonista, mostrando a sus fans que estaba viva. Se convirtió así en la primera intérprete, cuyo estudio dio publicidad a su nombre. En parte como resultado de la ingenuidad de Laemmle, el star system había comenzado. En breve, Florence Lawrence llegó a ser un nombre muy conocido. Sin embargo, su fama fue tan grande que los magnates de los estudios confirmaron sus peores temores y llegaron las peticiones de subida de sueldo.






Al final de 1910, Lawrence dejó los estudios IMP para trabajar en los estudios Lubin. Aconsejó a su amiga canadiense, Mary Pickford de 19 años, para que ocupará su puesto como la estrella de IMP. En 1912, Lawrence y Solter llegan a un acuerdo con Carl Laemmle y forman su propia compañía, la Victor Film Company. Ella recibe 500 dólares a la semana como actriz protagonista y su marido 200 dólares a la semana como director. Crearon un estudio de cine en Fort Lee, Nueva Jersey, en el que realizaron varias películas protagonizadas por la propia Lawrence y Owen Moore, antes de venderlo en 1913 a la nueva Universal Pictures.

En esos momentos de prosperidad, Florence hizo realidad su sueño de comprar una propiedad de 200.000 m2 en River Vale, Nueva Jersey.

Durante una de las películas, Pawns of Destiny, un incendio preparado para la filmación se extendió. Lawrence se quemó en varias partes del cuerpo, se le chamuscó el pelo y sufrió una grave caída. Durante varios meses estuvo en estado de shock pero volvió al trabajo aunque recayó al finalizar la película. Culpaba a Solter de haberle obligado a hacer la escena en la que se quemó, y finalmente se divorciaron. Además la Universal se negó a pagar sus gastos médicos, por lo que la actriz se sintió traicionada.

Aunque solo tenía 29 años, nunca recuperó su estatus de estrella después de haber pasado tanto tiempo recuperándose de sus heridas. En 1920 su marido murió. Al año siguiente se casó con Charles Byrne, un vendedor de coches, pero se divorciaron en 1931. En 1933 se casó por tercera vez, con Henry Bolton, hombre violento que la golpeaba, por lo que el matrimonio duró solo cinco meses. 


En la primavera de 1916, volvió a trabajar para la Universal en un film largo, Elusive Isabel. Sin embargo fue demasiado esfuerzo para ella y volvió a recaer. Estuvo totalmente paralizada por varios meses. Cuando volvió a la pantalla en 1921, pocos se acordaban de ella.



Cuando la madre de Lawrence murió en 1929, ella mandó esculpir un busto muy caro para su tumba. Para entonces, a los cuarenta y tantos, sin trabajo en las películas, con el crack del 29 y la consiguiente depresión, la fortuna de la actriz fue desapareciendo.

Florence vuelve a la pantalla en 1936, cuando la MGM comenzó a dar pequeños papeles a antiguas estrellas por 75 dólares a la semana. Sola, desanimada y sufriendo de dolores crónicos producidos por myelofibrosis, una rara enfermedad de la médula, el 27 de Diciembre de 1938 fue encontrada inconsciente en la cama de su apartamento de Hollywodd Oeste. Había intentado suicidarse con insecticida para hormigas. Fue llevada al hospital pero falleció pocas horas después.

Solo nueve años después de haber pagado tanto dinero por un busto para la tumba de su madre, Florence fue enterrada en una tumba sin nombre, no lejos de la de su madre, en el cementerio de Hollywood, conocido ahora como el cementerio Hollywood Forever, en Hollywood, California.

Permaneció en el olvido hasta que en 1991 el actor Roddy McDowall, a través del National Film Preservation Board, puso una placa que dice: “La Chica Biograph / La Primera Estrella de Cine”.





14.4.14

Al principio fue un storyboard


Un storyboard es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, previsualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse.

Los storyboards son hoy una herramienta necesaria para muchos directores de cine y, desde luego, son considerados imprescindibles en el mundo de la animación y de la publicidad.


Aquí, algunas viñetas que fueron el esbozo inicial de grandes películas, y el nombre de los artistas que las realizaron:


Forrest Gump, por Chris Bonura


Gremlins, por Joe Dante



American Beauty, por Robin Richesson

u

Tres viñetas de La Pasión de Andrei Rublev, de Tarkovski 






Eyes Wide Shut, por Christopher Baker




Man of Steel, por Jay Oliva





No Country for Old Men, por J. Tood Anderson





Taxi Driver, por Martin Scorsese



Linterna Verde, M. Jackson




La Cosa, Mike Ploog



The Pink Panter, Juan de Dios




Vértigo, por Hitchcock