16.7.15

Estrena la nueva película de Rosendo Ruiz

ESTRENO “TODO EL TIEMPO DEL MUNDO”

JUEVES 6 DE AGOSTO

CINECLUB MUNICIPAL HUGO DEL CARRIL

 PROYECCIONES DE JUEVES 6 a DOMINGO 9 DE AGOSTO




El Jueves 6 de Agosto se estrena en Córdoba la película TODO EL TIEMPO DEL MUNDO, tercera película de Rosendo Ruiz,  producida por la  Escuela Dante Alighieri.

“Todo el Tiempo del Mundo” es el resultado de un taller de realización cinematográfica coordinado por Ruiz, en donde el director escribió el guión junto a un grupo de alumnos del colegio. Luego los mismos participaron del rodaje de la película bajo la tutela de profesionales de la industria local. Dos alumnas que participaron del guión interpretaron roles protagónicos dentro del relato.


Tráiler: https://vimeo.com/122706360


SINOPSIS

Tres adolescentes deciden escaparse a las Sierras de Córdoba, con la esperanza de encontrar una comunidad asentada en un secreto valle de la zona. En el camino, encuentran una casa deshabitada que se convertirá en su refugio. El tiempo transcurre en una relajada convivencia. Sin embargo, un fuerte y repentino sentimiento de nostalgia hará que decidan volver a casa.



FICHA TÉCNICA

AÑO 2015

DURACIÓN: 74 Minutos

Director: Rosendo Ruiz

Producción: Sergio Badino / Inés Moyano

Elenco: Juancho Croce / Micaela Dalesson / Paula Ledesma / Maura Muzi

DF: Pablo Gonzalez Galetto

S: Sol Curado

DA: Isabel Riberi

E: Ramiro Sonzini

7.7.15

Sin moldes, haciendo el cine que nos gusta - Matías Herrera Córdoba

Matías Herrera Córdoba


Matías Herrera Córdoba nació en 1982 y residió en Salta hasta los 18 años, cuando regresó a tierras cordobesas para estudiar cine. “El ámbito universitario me sensibilizó, mis compañeros, el cine, el cineclubismo, y la historia de Córdoba”.   

En  2003, recién iniciados sus estudios, hace su primer cortometraje La Creciente, participando en muestras y festivales de derechos humanos. Crea la productora Cine El Calefón, realizando los cortos Calle de la Libertad (2004), Casa Cortada (2005) y Mis Pies (2006). Participa del Movimiento de realizadores Cine Nómade efectuando el video L.E.S. y co-funda el Centro de Medios por la Memoria y la Identidad en H.I.J.O.S. En 2009 termina su opera prima Criada, siendo parte de festivales como el BAFICI y Biarritz. Al año siguiente presenta el documental Buen Pastor, una fuga de mujeres y en 2013 estrena su primer largometraje de ficción, El Grillo. 

Admirador de Agnès Varda, Kiarostami, Naomi Kawase, Patricio Guzmán, Wim Wenders, entre otros, expresa como anhelo poder adaptar El evangelio según Jesucristo de Saramago. 

Firme, decidido, claro en sus ideas y actitudes, Matías enuncia con convicción:”el cine cordobés es la expresión de que el cine es colectivo”. 

¿Cómo surge Criada? Contar la historia de Hortensia, universalizarla, incluir a tu familia…

Regresé a la finca donde habían vivido mis abuelos, mis tatarabuelos, donde nació mi madre y sus hermanos, en Catamarca. De niño nos llevaron muchas veces, yo lo recordaba como un paraíso, con acequias, olivos, parras, frutales, viento, ríos, montañas. Y mi recuerdo no me engañaba, con un paraíso me encontré, los mismos olores, lugares y Hortensia, nadie más. Habían pasado 16 años, desde la muerte de mis abuelos mi madre no quiso volver. Luego de ese viaje quedó grabada Hortensia en un video con una handy. En Córdoba vi varias veces esa imagen, me inquietaba la mirada de Hortensia. Y regresé a los meses con Juan Maristany.  Estaba seguro de que Hortensia tenía las llaves de la casa grande, ella siempre había vivido ahí. Pero terminamos durmiendo en el living, donde ella también tenía su cama.  
Varios viajes siguieron, charlas, re-conocernos, hacernos amigos. Luego surgió un desafío cinematográfico y moral si se quiere: cómo filmar a Hortensia sin que ella quede expuesta, sin entrevistas. Por dos años trabajamos con el proyecto hasta que se volvió película y se universalizó su historia.

¿Te resultó complejo trabajar con personajes reales, no actores?

El cine no es la realidad y la persona ya no es una persona sino un personaje. En Criada trabajé para acercar el género documental a una estructura de ficción. La complejidad al filmar a un otro (más allá de si es actor o no) tiene una responsabilidad compartida, por un lado lo que puede dar o aportar la persona a su personaje, esa capacidad de soportar ser un personaje, y por otro lado, dónde el director posiciona la cámara, el lente que usa, el plano sonoro, y la capacidad de transmitir lo que quiere, de ese doble juego nace la verdad/verosimilitud de lo que se cuenta. 

¿Cuáles han sido tus fuentes documentales y testimoniales para co-escribir y dirigir Buen Pastor, una fuga de mujeres? 

Con Lucía Torres tomamos varias referencias cinematográficas, principalmente Patricio Guzmán (chileno), Ernesto Ardito, Virna Molina, Raymundo Gleyzer (de Argentina). Cineastas que abordan temas políticos de organizaciones partidarias por lo general, y con un compromiso histórico de lo que se va a contar. La fuga de la cárcel era un hecho ya en sí cinematográfico, teníamos seis años de registro en distintos formatos y estilos, la dirección fue de montaje principalmente. Nos llevó un año editar la película. Encontrar material de archivo, nuevos registros, darle una estructura, hasta encontrar que no podíamos hablar de cada una de las 26 presas sino que debíamos abordar un “personaje colectivo”, y ¿de qué se trataba esto? Lo definimos y trabajamos como si quién nos contase la historia fuese una sola persona con distinta vestimenta, armamos un relato colectivo. Lo percibimos de esa manera cuando nos juntábamos con ellas, con las ex presas, ya que ellas militaban de esa manera. Todas habían hecho o dejado de hacer algo para que esa fuga sea exitosa, todas querían lograr la libertad y seguir luchando afuera de la cárcel. La película se produjo de una manera particular, fue una producción colectiva entre Cine El Calefón y el grupo de Ex presas políticas del Buen Pastor, y el resultado es el encuentro de dos generaciones con contextos políticos y sociales muy diferentes, pero con muchos acuerdos, sobre todo cuando la bandera es la libertad.    

Tu primer ficcional, El Grillo, es un homenaje simbólico a un referente actoral  como el inolvidable Héctor 'El Negro' Grillo. ¿Por qué lo elegiste?

Al Negro Grillo lo vi dos veces, una vez regando las plantas de su jardín, sin saber quién era él, y  en su última obra de teatro. Años más tarde, quien había sido su mujer, Mónica Leunda, se convierte en mi mecenas durante casi dos años. Su propuesta y apuesta fue que pueda dedicarme a hacer una película y no estar preocupándome por el dinero del día a día. En nuestras conversaciones viviendo juntos hablábamos mucho de música, literatura, teatro, cine y arquitectura. En algún momento aparecía el Negro, o una anécdota, o una frase que él decía, pero siempre estaba presente. Sus principios eran muy claros, el arte se construye desde abajo, desde el estudio, desde la calle, la experiencia y la locura. Y la película no podía ser menos que un homenaje a él, a su filosofía sobre una obra, sobre un actor, el cine, el teatro. 

¿Es muy complicado producir desde el interior del país? 

Creo que es complicado producir el tipo de cine que nos gusta. Desde las políticas de Nación y los concursos del INCAA para fomentar la producción de cine y tv se federalizó mucho. Claramente aún todo funciona en Buenos Aires, creo que cuando desde capital dejen de usar la palabra “federalismo” va a ser porque ya somos federales, mientras tanto aún hoy tenemos desventajas a la hora de producir y formarnos, muchas menos que antes, pero están.

¿Cuáles son tus próximos proyectos como director?

Me encuentro trabajando en una nueva ficción. Necesito volver a filmar en el norte, aún no estoy decidido si en Catamarca o en Salta. La historia la debo bajar a papel y trabajar en la producción.  Quizás en el medio pueda realizar algo más. Mientras tanto dedico el tiempo a los otros proyectos de Cine El Calefón, intentando aportar allí. 

Pasemos entonces a Cine El Calefón. ¿Qué nos podés reseñar de todo lo que vienen trabajando? 

El Calefón es movimiento constante, es una productora pero que no produce cine de manera convencional,  yo diría que es una productora que acompaña a las películas todo lo que puede. Porque creamos una productora sin moldes, haciendo el cine que nos gusta. Comenzamos produciendo nuestros proyectos y pudimos emprender los de otros directores, cruzar la frontera argentina y co-producir con Uruguay (Una noche sin luna, 2014) y ahora estamos en otro proyecto más grande aún. La creamos con Juan Maristany y luego se sumaron Lucía Torres, Ezequiel Salinas y Ana Apontes. Todos somos parte del Cineclub La Quimera también, que a su vez es parte del Teatro La Luna y de alguna manera creo que todo tiene que ver con todo. Porque apostamos a proyectos que nos identifiquen, no en lo que somos, sino en lo que buscamos. Así este año vamos a estrenar “Nosotras/Ellas” un documental ensayo que va a dar qué hablar por su propuesta. Ya tiene su estreno internacional en uno de los festivales más importantes de cine documental.

¿Cuál es tu posición respecto a la propuesta de impulsar una ley provincial para fomentar la industria audiovisual cordobesa?

Esta ley es fundamental. Estamos siendo parte de algo que nadie imaginaba, pero que muchos creíamos y apostamos, se está produciendo cine en córdoba.  Es una realidad, esfuerzo y  políticas del INCAA lograron esto. Escuché a productores decir: “en ningún lugar del mundo se produce en el interior, se produce en las capitales de los países” y quizás sea cierto, no me puse a investigar. Pero justamente la Argentina está cambiando muchos “moldes” y este es uno. Pero necesitamos del apoyo de la Provincia de Córdoba, porque sin apoyo es imposible por más intenciones del Instituto de Cine. La aprobación de esta ley nos daría más recursos para que la actividad no dependa solamente de Nación.

¿Cómo te llevás con la crítica?

Me interesa la crítica como propuesta para el análisis de un obra cinematográfica, es el caso del crítico Jean Louis Comolli. Sus escritos hacen tambalear los conceptos sobre el cine, y todo a partir de la crítica de un film. Porque el cine también tiene mucho prejuicio y se estructura queriendo ser formador de formas, esto sucede con el cine comercial pero también con el independiente. Y creo que el arte no se trata de eso. Hoy en día los críticos están viviendo “la industria de la crítica”, ¿tendrá que ver con la época en que estamos, que queremos opinar de todo y abarcar cada vez más? Yo no se cuándo nació la crítica cinematográfica, pero sí me pregunto dónde está parada hoy cuando cuestiona acerca de los recursos que utiliza un director en un film cuando todavía ellos no se han podido desprender de una triste herramienta como es la valoración con estrellas o puntaje. Y me lo pregunto porque valoro a la crítica como documento de estudio, de aprendizaje, muchas veces una buena crítica incluso termina despabilándonos a los directores, y ni que hablar a los espectadores. 


Por Jackie Bini
filmosfera@yahoo.com

27.4.15

Festival de Cine Independiente de Cosquín anuncia Programación Oficial





El festival anuncia la programación de su 5.a edición, que se desarrollará del 6 al 10 de Mayo en la ciudad de Cosquín / Córdoba.

Se programaron 60 películas de Australia, Alemania, Brasil, Cuba, Francia, Inglaterra, Suiza,España, Chile, EE. UU., Polonia, Dinamarca y Argentina.

Las secciones Competencia Oficial Internacional de Largometrajes, Cortometrajes, Concurso Cortos de Escuela, Retrospectiva, Focos y Actividades Especiales son parte de la propuesta que el festival diseñó para esta nueva edición.

Este año, por primera vez, se dará inicio al festival con la proyección de una película internacional: Charlie´s Country del director australiano Rolf de Heer. Estreno nacional gracias al apoyo de la Embajada de Australia en Argentina.

Películas seleccionadas FICIC 2015

Categoría LARGOMETRAJE 

Ein proletarisches Wintermärchen – Dir. Julian Radlmaier / Alemania (Estreno nacional)
A Vizinhança do Tigre – Dir. Affonso Uchoa / Brasil (Estreno internacional)
Favula – Dir. Raúl Perrone / Argentina
La mujer de los perros – Dir. Laura Citarella – Verónica Llinás / Argentina
La obra del siglo – Dir. Carlos M. Quintela /Argentina –Cuba – Alemania – Suiza
Los besos – Dir. Jazmín Carballo / Argentina (Estreno mundial)
Mouton – Dir. Mariane Pistonne y Gilles Deroo / Francia (Estreno nacional)
No todo es vigilia – Dir. Hermes Paralluelo / España
Un jeune poète – Dir. Damien Manivel / Francia (Estreno nacional)
Victoria – Dir. Juan Villegas / Argentina

Jurado: Gabriela Trettel / Iván Pinto / Paulo Pécora

Categoría  CORTOMETRAJE

21,3 C – Dir. Helena Wittman / Alemania (Estreno latinoamericano)
Así me duermo – Dir. Mariano Luque / Argentina
Desde la marea –  Dir. Josefina Gill / Alemania (Estreno mundial)
Dia Branco – Dir. Thiago Ricarte / Brasil (Estreno nacional)
Ejercicios del primer Campos – Dir. Martín Emilio Campos / Argentina (Estreno Mundial)
Éphémères – Dir. Yaki Kawamura / Francia (Estreno latinoamericano)
Incendio/ Rescate – Dir. Juan Renau / Argentina
La hora del lobo – Dir. Natalia Ferreyra / Argentina
La isla – Dir. Dominga Sotomayor / Katarzyna Klimkiewicz / Chile-Polonia- Dinamarca
Los patos salvajes – Dir. Nicolás Quiroga / Argentina (Estreno mundial)
Me olvidé – Dir. Teddy Williams / Francia
Muerte blanca – Dir.Roberto Collío / Chile
Punto cero – Dir. Michelle Gualda / Argentina
The Owls Have Grown as Big as the Half Moon – Dir. Maya Connors / Alemania (Estreno internacional)

Jurado: Eva Cáceres / Liliana Paolinelli / Santiago González Cragnolino

En las Competencias Internacionales (Largometrajes y Cortometrajes) se encuentran programados Estrenos Mundiales, Latinoamericanos y Nacionales.

La organización del festival anuncia que en esta edición se entregará un premio económico a las Competencias Oficiales.
Película Ganadora Largometraje: $ 7.000.
Película Ganadora Cortometraje: $ 3.000.

3º Concurso CORTOS DE ESCUELA

Fueron seleccionados 9 cortometrajes (80 enviados por convocatoria) para competir en este nuevo concurso que busca brindar un espacio de proyección para las obras de los estudiantes y acercarlas al festival.

Barrancas  Dir. Nicolás Schujman / Universidad del Cine
Durmiente Dir. Vinko Tomicic / FUC
El cuarto hermético Dir. Agustín Touriño / UNC
Esta es mi selva  Dir. Santiago Reale / Universidad Nacional de La Plata
Fin de semana Dir. Ana Carolina Beltrán / Universidad de Tucumán
La isla desierta Dir. Lautaro García Candela /  Universidad del Cine
La trama empieza Dir. Andrés Schinocca Cambiaso / FADU
Reina Sofía  Dir. Micaela Ritacco / UNC
Sinfonía Húngara Dir. Sol Denker / Emanuel Landivar  FADU

Jurado: Federico Ambrosis / Julia Pesce / Martín Iparraguirre

El Mejor Cortometraje de Escuelas recibirá el Premio INCAA TV, que consiste en la adquisión del cortometraje por un valor de $ 5.000.

La quinta edición de FICIC contará con una RETROSPECTIVA INTERNACIONAL dedicada al director brasileño Adirley Queirós; se podrán ver largometrajes y cortometrajes: Branco sai, preto fica (2014), La ciudad es una sola? (2011), Días de Greve (2009,) Fora de campo (2009), Rap, o Canto da Ceilândia (2005).

FOCOS ESPECIALES

FILM NOIR PARA PRINCIPIANTES:
Propone un foco especial de Cine en 35 mm (gentileza de Fernando Martín Peña).

Adiós muñeca  Dir. Dick Richards  EE. UU. 1975
Mientras la ciudad duerme Dir. John Huston EE. UU. 1950
Sombras del mal Dir. Orson Welles  EE. UU. 1958

Un espacio dedicado al CINE CORDOBÉS CONTEMPORÁNEO, en el que se proyectarán tres producciones recientes de la provincia mediterránea.

Miramar Dir. Fernando Sarquís
Todo el tiempo del mundo Dir. Rosendo Ruiz
Una noche sin luna Dir. Germán Tejeira

PLANOS Y TEXTOS
Outlandish  Dir. Phillip Warnell  / Inglaterra
Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air  Dir. Phillip Warnell / Inglaterra
Guide Tour Dir. René Frölke / Alemania
Le beau danger Dir. René Frölke / Alemania

El sábado 9 de mayo se realizará la entrega de premios y luego se proyectará como cierre del festival la película argentina Al centro de la Tierra, del realizador Daniel Rosenfeld.
Por la tarde del domingo 10 se proyectarán las películas ganadoras.

Con 14 países representados en 60 films, Cosquín se prepara para la quinta edición deFICIC que se realizará del 6 al 10  de mayo.

En la web del festival (www.ficic.com.ar) se podrá encontrar la programación detallada con los días y horarios de proyección de las películas y con la información sobre las diferentes actividades que se realizarán durante el evento.

FICIC cuenta con el valioso apoyo de la Municipalidad de Cosquín y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)


FICIC en las redes sociales:   

@cosquinfilmfest  /  fbk: ficic  /  Instagram: ficic_ok

Más información en:  www.ficic.com.ar

16.4.15

Se viene un nuevo FICIC






Organizado por Cacique Argentina con el apoyo de la Municipalidad de la Ciudad de Cosquín, el festival se desarrollará del 6 al 10 Mayo, en la ciudad serrana.

FICIC recibió para su competencia oficial más de 850 películas (cortometrajes, y largometrajes ficción / documental) de todo el mundo, 50  países participaron de la convocatoria:
Alemania – Argentina – Australia – Austria – Bélgica – Brasil – Canadá – Chile  Colombia – Costa Rica – Cuba – Chipre – Ecuador – Egipto – España – Estados Unidos  Estonia – Finlandia Francia – Georgia – Grecia – India – Irán – Israel – Italia – Japón - Líbano  Luxemburgo – México – Noruega – Países Bajos - Panamá – Paraguay - Perú  - Polonia Portugal  Rumania – Rusia – Singapur – Corea del Sur – Suecia – Suiza  República Dominicana – República Árabe de Siria – Reino Unido - Tailandia – Tunes – Ucrania  Uruguay – Venezuela.

El 3º concurso de cortometrajes “Cortos de Escuela” destinado a estudiantes convocó mas de 50 piezas audiovisuales,  participan de la pre selección trabajos de las provincias de Mendoza, Tucumán, Santa Fe, Buenos Aires y Córdoba.

En las próximas semanas será anunciada la programación, conformada por:
Competencia Internacional de Largometrajes (Ficción - Documental)
Competencia Internacional de Cortometrajes
Concurso Cortos de Escuela
Focos Especiales y Retrospectiva.

FICIC cuenta con el apoyo del INCAA Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, a traves del Área Festivales Nacionales  de la Gerencia de Acción Federal.

El festival es miembro de RAFMA Red Argentina de Festivales y Muestras Audiovisuales.

Toda la información del festival se encuentra disponible en:   www.ficic.com.ar
El Festival en las redes sociales
Facebook  /ficic     -    Twitter: @cosquinfilmfest   -     Instagram:  ficic_ok


Acerca de FICIC
El Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín a lo largo de sus cinco ediciones cuenta con el apoyo institucional de diversas entidades tales como: Municipalidad de Cosquín – INCAA - Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Filosofía y Humanidades Dto de Cine y TV – Escuela Internacional de Cine y TV San Antonio de los Baños La Habana Cuba – SICA - UPACI – SICA – ADN – DAC – Centro Cultural Enrique Brizio, Cámara de Hoteles y Centro Comercial de Cosquín. Miembro de RAFMA Red Argentina de Festivales y Muestras Audiovisuales.

9.4.15

Aprendé a hacer cine, haciendo una película (en Córdoba)




Gacetilla de Prensa

Los caminos para hacer cine pueden ser tan variados como personales, aprendimos un proceso y una metodología de trabajo que queremos transmitir en nuestra Película Taller. 

Estamos seguros que el trabajo de realizar un film puede ser una herramienta pedagógica para todos los que sientan curiosidad y deseos de aprender, adentrándose directamente en el proceso desde la creación y la práctica con espíritu colaborativo y cooperativo. Para eso contamos con el acompañamiento adecuado de un equipo de  profesionales con quienes compartimos trabajos previos y criterios cinematográficos que nos acompañarán en el proceso de aprendizaje y realización. 

Luego de una exitosa primera experiencia que dio como resultado el largometraje 
"EL DEPORTIVO", rodado en 2014 y próximo a estrenarse, los invitamos a formar parte de nuestra segunda experiencia. ¡Se larga la Película Taller 2015!

Trailer El deportivo: https://vimeo.com/123636950

4.4.15

Sudamérica en el CinecluB La Piratería



El martes 7 de abril a las 20.30 hs. comienza la segunda temporada del CinecluB La Piratería bajo el lema: "Este año voy al Club Belgrano...a ver cine Sudamericano

Proyectarán "Atlántida", de Inés Barrionuevo, (Córdoba 2014, 88 min). 

El espacio seguirá funcionando todos los martes del año a las 20.30 hs. en el SUM del Club Atlético Belgrano (a excepción que juegue Belgrano), ingreso por Arturo Orgaz esquina La Rioja. 
Entrada libre, salida "a la gorra"de cancha.

La estructura de programación del primer semestre será la siguiente: el primer martes de cada mes proyectarán una película cordobesa (intentando contar con la presencia de directores/as, protagonistas y/o productores en cada proyección) y el resto del mes tres películas de un país sudamericano. En abril el país visitado será Uruguay.

CinecluB La Piratería:


Martes 7/4 "Atlántida", (Córdoba, 2014, de Inés Barrionuevo, 88 min).

Martes 14/4 "La vida útil" (Uruguay, 2010, de Federico Veiroj, 67 min).

Martes 21/4 "El lugar del hijo" (Uruguay, 2013, de Manuel Nieto Zas, 116min).

Martes 28/4 "Gigante" (Uruguay, 2009, de Adrián Biniez, 90 min).

Programación y presentaciones a cargo de Andrés Yaremczuk.

24.3.15

Cine Arte Córdoba: el regreso más esperado


Con un proyecto nuevo, a cargo de dos históricos del cine en Córdoba, Daniel Hidalgo y Osvaldo Navarro, la Sala de 27 de abril 275 reabre sus puertas en abril.



Cuando a mediados de noviembre del año pasado se conoció la noticia de que el Cine del Teatro Córdoba cerraba sus puertas, entre los incontables comentarios de tristeza y agradecimiento por treinta años de buen cine en un espacio de culto, comenzó a tomar forma un nuevo proyecto.

Después de un fin de semana inolvidable, allá por mediados de diciembre, con una sala totalmente colmada para despedir un ciclo que acompañó la vida de tantos cordobeses, quedó en el aire el deseo de pasar un día por la vereda del cine y encontrarse con un cartelito que informara su reapertura.

Para alegría de muchos, el cartelito apareció.

Desde el 2 de abril, con un proyecto nuevo, a cargo de nombres históricos del cine de Córdoba, y con películas en cartel que respetan las predilecciones del público de siempre, la Sala de 27 de abril 275 reabre sus puertas. Los responsables de este nuevo ciclo son Daniel Hidalgo, proyectorista en innumerables espacios, entre ellos el mismo Cine del Teatro, y Osvaldo Navarro, técnico histórico de nuestra ciudad.

Toda la información disponible se puede consultar en una nueva cuenta de Facebook, y en los carteles dispuestos en la boletería del cine.

Algunos datos:

Con algunas modificaciones, se mantiene el sistema de abonos. Hay una posibilidad de compra anticipada, de 10 a 13 y de 16 a 20 horas.

El costo del abono será de $60. Para estudiantes y jubilados: $30.

Se mantienen los días de proyección, de jueves a domingos. Pero habrá más funciones, para que cada película tenga dos horarios por día. Además, los viernes y sábados habrá función trasnoche.

Se ha anunciado un nuevo proyector para continuar brindando la posibilidad de disfrutar películas en 35mm, y un nuevo sistema de sonido.

Ese fin de semana, la cartelera incluye dos grandes obras. En primer término, “Ida”, el multipremiado film polaco, dirigido por Pawel Pawlikowski.


En segundo término, “Dios mío ¿Qué hemos hecho?”, gran comedia francesa dirigida por Philippe de Chauveron.


Celebramos la posibilidad de volver a la histórica Sala de la calle 27 de abril.


Cine Arte Córdoba.

Cartelera del jueves 02 al domingo 05 de abril: 

“Dios mío ¿Qué hemos hecho?”

Primera función: 17 horas.

Segunda función: 20.20 horas.

Función trasnoche: Viernes 03 de abril.

“Ida”

Primera función: 18.50 horas.

Segunda función: 22.10 horas.

Función trasnoche: Sábado 04 de abril.


Pubicado por http://redaccion351.com/

11.2.15

Convocatoria para Ojo al Piojo, 5° Festival Internacional de Cine Infantil



El festival Ojo al Piojo invita a realizadores, directores, docentes, niños y jóvenes a participar con sus obras en Ojo al Piojo, 5° Festival Internacional de Cine Infantil, que se realizará en el mes de julio de 2015 en Rosario, Santa Fe, Argentina.

Ojo al Piojo es un festival pensado para el público infantil que promueve la difusión de obras audiovisuales hechas por niños y adultos. El festival se propone como lugar de encuentro único para disfrutar del cine. Una oportunidad exclusiva para convertir a la ciudad en pantalla del mundo.

Año a año, se renueva la invitación a esta propuesta que desafía a que los grandes viajen a su infancia y que los niños y las niñas jueguen en el mundo de los adultos.
En la cuarta edición compitieron más de setenta cortos y más de 2000 niños disfrutaron de las proyecciones en competencia y de películas invitadas. 

En la convocatoria 2015 podrán participar obras que no excedan los 15 minutos de duración, los realizadores deberán enviar sus trabajos de forma online a través de las plataformas Festhome o Movibeta. La fecha para la recepción de cortos se extenderá desde el 1° de febrero hasta el 15 de mayo de 2015. 

Se otorgará un premio al Mejor Corto Realizado para Niños y otro al Mejor Corto Realizado por Niños o Jóvenes -que consisten en la suma de $8.000 cada uno- y otro premio al Corto más Votado por el Público. 

Ojo al Piojo convoca, una vez más, a producir cortometrajes que sean innovadores, comprometidos con los derechos de la infancia, creativos y divertidos. Este festival respeta la diversidad e intenta ser un reflejo de la voz y mirada de los niños y las niñas. 

Bases y Más Información

5.2.15

El Grillo: vidas de humanos, gatos y espíritus


La película “El Grillo” se sumó a las producciones audiovisuales cordobesas estrenadas en 2014, con una historia intimista muy bien contada y sólidas actuaciones. Es el primer ficcional de Matías Herrera Córdoba, quien había dirigido el documental “Criada”.



Hay películas que nos transmiten el clima en que uno imagina que han sido realizadas. Tal vez sea más correcto decir que el carácter de una película reclama un cierto clima de realización, el cual se imprime en su resultado final. Hablamos del tipo de cine independiente de bajos recursos, que es parte de nuestro paisaje local, y que deliberadamente aborda temáticas intimistas, rodables en un ambiente exterior o interior poco poblado, con un pequeño grupo de personajes. A la escala sincera de nuestra realidad, tanto para espectadores como para productores audiovisuales.

No hace falta detenernos sobre cómo, siempre, de las limitaciones deben surgir las obras reales, con dramáticas hechas a escala de las posibilidades concretas. El Grillo, de Matías Herrera Córdoba, se encolumna claramente en este tipo de producción. La historia ocurre en una casa cuyo exterior apenas cuenta. La locación, a su vez, le cede protagonismo a sus habitantes. La dueña de la casa es una arquitecta viuda, Graciela (María Pessacq), cuyo marido ha sido titiritero y actor, a quien hoy extraña, mientras canaliza sus afectos en sus gatos y sostiene encuentros amorosos con el jardinero Gabriel (Martín Rena), que pasa tiempo en la casa. La tercera habitante es Holanda (Galia Kohan), una actriz de teatro que ensaya el parlamento de una obra, un texto de Jacques Prevert que reaparece en el relato.

La convivencia de los tres personajes desarrolla una dramática no más intensa que la de tres personas individuales, cada una con su vida y expectativas personales, que en principio transcurren una cohabitación pasajera. Los lazos entre ellos no los ligan ni por sangre ni por vínculo, aunque entre la arquitecta y el jardinero se explaya más –como es natural- el intercambio de las vivencias personales.

El motivo por el cual los espectadores seguimos la narración tiene que ver más con “comprar” a los personajes y sus textos, que con la acumulación de tensiones. Hay microtensiones, pero no siembran la necesidad de un estallido.

Esto al punto que dicho estallido, cuando ocurre, aunque le dé un clímax al relato, parece un golpe de cine respecto de lo hasta allí construido. Aspecto de la estructura dramática que, sin embargo, en nada empaña el carácter de la película, cuyas premisas fluyen hasta el final.

El Grillo no nos pide adivinar los gestos de los personajes: tiene diálogos. Los textos son los comunicativos cotidianos, o lo que se cuentan íntimamente los personajes; pero hay también parlamentos enunciados con un grado de teatralidad, y otros enmarcados en un monólogo que cada uno de ellos recita por turno, acaso basado en dramaturgias de actor.

Los parlamentos se alternan con un tempo lleno de sonidos de pájaros, detenido en alguno de los personajes ensimismados, que a su vez transcurren su vida unos días de un verano, sin apremios, disfrutando de la estación. La fotografía, al tomarse tiempo para imágenes poéticas sin incidencia narrativa, aporta elementos al clima y al carácter. La cámara captura bien el universo que se propone mostrar, y aprovecha bien la naturalidad de los actores y de las escenas, para su recreación.

Las actuaciones están muy bien. Allí también asoma esa conjunción de clima de rodaje y carácter de la historia. De las actrices y del actor brotan los textos dichos desde una situación reposada, ajena a las estridencias. El personaje de María Pessacq es el que demanda mayor intensidad de tono, que la actriz domina y pone en juego, y del que emana autoridad. El de Galia Kohan le permite a la actriz jugar a sí misma, con citas incluso de su propia carrera actoral, y mostrar con qué solvencia puede sostener la atracción en la pantalla, con pizcas de grotesco. Cuenta además con un bonus track teatral especial en la película. El personaje de Martín Rena muestra una masculinidad mansa, no agresiva, que el actor construye y sostiene correctamente.

La película contiene algunos homenajes entrañables al teatro, particularmente a la figura de Héctor Grillo, cuya fotografía se ve en el mismo cuarto donde la cámara se detiene en los rostros de los muñecos por él modelados para su trabajo como titiritero. Su figura es evocada como la del marido ausente de la dueña de casa. La presencia del insecto grillo, cuyo violín escuchamos al fondo, es un homenaje más impalpable, pero presente, de cuyo ingreso a la casa discuten los personajes femeninos.

El homenaje al teatro está dado también en el personaje que interpreta Galia Kohan y por menciones que hace al Teatro La Cochera, a la obra Choque de Cráneos, así como un breve saludo a Paco Giménez en el texto final. Un buen momento musical de la película rescata un recital en el patio de la casa, dedicado al marido muerto de la arquitecta, y sobre los títulos de cierre escuchamos a Jenny Nager en la canción original para El Grillo.

Por Gabriel Ábalos

EL GRILLO
Argentina, 2013.
Largometraje ficción
Duración: 82 min.
Ficha técnica:
Guión y dirección: Matías Herrera Córdoba
Casa Productora: Cine El Calefón
Elenco: María Pessacq, Galia Kohan, Martín Rena
Productora Ejecutiva: Juan C. Maristany
Producción general: Ana Apontes / Juan C. Maristany
Dirección de fotografía: Ezequiel Salinas
Montaje: Lucía Torres
Dirección de Arte: Julia Pesce
Asistente de dirección: Manlio Zoppi
Asistentes de producción: Vanesa Wilder / Fiorela Campo
Cámara: José María Benassi
Gaffer: Rodrigo Fierro
Asistente de arte: Carolino Bravo
Vestuario: Jimena González Gomesa
Música: Jenny Nager / Ángela Tullida









3.2.15

El alma inquieta de un hombre pájaro



Birdman” es el quinto largometraje de Alejandro González Iñarritu y el segundo tras dividirse de su co-escritor Guillermo Arriaga. Los créditos en el guión destacan a Nicolás Giacobone y a Armando Bo (nietos del director favorito de la Coca Sarli). La película se apresta a entrar como un gladiador a la próxima noche de los Oscars.









Birdman trata sobre un actor maduro que, habiendo ascendido en el rol de un superhéroe fílmico, ahora intenta preservar la dignidad profesional como su tesoro, tras haber pisado el suelo de la gran Babel del cine y rechazado el trato fáustico que le fuera dispensado. Decide dirigir en Broadway una adaptación de un relato de Raymond Carver, y esa es la energía que consume la mayor parte de la acción de los personajes de la película, en la que actúan Michael Keaton, Edward Norton, Naomi Watts, Emma Stone y otros.

Van unos apuntes a mano alzada sobre algunos ingredientes cuyo sabor persiste y que son de diversos órdenes, pero igual los enumeramos:

a)      Una cámara absolutamente dinámica, incluso ansiosa, que por momentos parece seguir y por momentos empujar la acción de los personajes, nos lleva puestos desde el principio. Tómese esa cámara en mano como referencial de todo lo que tenga que ver con la narración de Birdman.

b)      Una banda sonora en la que rige el pulso una sesión de batería que aparece y reaparece, y a cuyo ejecutante (Antonio Sánchez ) vemos en la película en un par de secuencias: un baterista que puede ser callejero o de teatro, al que uno de los personajes arroja al pasar una moneda. La percusión marca los tempos, las puntuaciones, los climas del relato. A veces entran detalles instrumentales, acordes, fragmentos melódicos.

c)       La segunda naturaleza del film es el teatro, en constante comunicación con el cine, dos mundos que rigen a los actores cuando ponen en juego sus identidades. Las veladas de preestreno de una obra basada en el cuento ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?  de Raymond Carver, que dirige el protagonista de la película, Riggan Thompson (Michael Keaton).

d)      Hay que ver como una de las claves narrativas esa serie de funciones previas al estreno, que en el sistema americano permite al público, a mitad de precio, asistir a una producción in progress. La potencia narrativa de esos fragmentos de ensayos con espectadores radica en la repetición, sumada a la libertad para ir introduciendo modificaciones incluso radicales a la puesta y a los diálogos, para acudir a la improvisación, y también para darle entrada al absurdo real, o a un grado de verdad inesperada.

e)      Un subtema de la trama, especie de parásito refulgente: el personaje de la crítica, Thabita Dickinson, que acecha en el bar siempre nocturno junto al teatro, con sus apuntes perpetuos, preparándose a destrozar la mediocridad del mundo escénico que pisotea las tablas de un teatro donde brillaron grandes actores y actrices americanas del drama y la comedia. Nota inolvidable al pie.

f)       El núcleo teatral de la historia tiene también el encanto de los textos. Los textos de Carver resuenan por momento en el “exterior” de la acción de esas personas  de ficción que juegan unos personajes en la escena. Ese tránsito se da en ambos sentidos: la acción teatral como proyección de las pasiones de actores y actrices.

g)      Motivan también a los personajes las taras asociadas a aquel circuito teatral con pretensiones, los problemas del cartel, el ansia de éxito y el pavor del fracaso, la competencia feroz en escena, o la búsqueda de sobresalir.

h)      En las zonas “exteriores” del argumento, respecto a la situación teatral, Birdman despliega una fauna de personajes cuyas acciones y diálogos determinan temas existenciales, la búsqueda desesperada de la autoafirmación, la necesidad de ser aceptados y queridos/as, la dependencia del alcohol y de las drogas en la constitución de ese transcurrir de criaturas tan seguras de sí como frágiles, con las que podemos empatizar.

i)        Justo en el lugar de transición del juego escénico a la “vida real”, hay un desdoblamiento que toma forma psicoanalítica: el superhéroe que convirtió a nuestro actor principal en una celebridad de la pantalla (una celebridad con una máscara de pájaro delante, ocultando al actor) regresa como una voz de la conciencia, a tratar de convencerlo de que su vida de éxito aún espera allí, por él, para sacarlo del pozo de dignidad insensata en que ha caído, arrastrándose en lugar de volar como los hombres pájaros, hacia la vida luminosa. El actor canturrea, queriendo acallar aquella voz recurrente.

j)        Un creciente clima ominoso, por los enfrentamientos violentos, la sinceridad desgarradora, los signos de desastre que sobrevuelan los empeños de todo el mundo, marca a fuego la consecución de la historia. Se alimenta la amenaza de un final trágico, el ala negra del desborde de esas personalidades puestas  en cierto modo al límite (al menos al límite de la película, en tanto experimento narrativo), atrapados entre lo real y todo lo demás que constituye su réplica.

k)      Hay una proeza en esta producción que regresa a un gran director a su lugar. Tras la ruptura con el guionista Guillermo Arriaga, y tras una película impresionante, pero no tanto memorable, como Biutiful, Iñárritu se alía con dos argentinos –lo que por supuesto halaga el orgullo nacional- para dar vida a esta obra personal, que se impone por la prepotencia con que está narrada, por sus actuaciones notables, por su mirada crítica sobre los mundos encontrados de la industria y del drama, por su capacidad de disfrute que el espectador capta de inmediato, por sus vericuetos narrativos, por sus personajes extremos, por la belleza de sus imágenes, merece un lugar en el corazoncito cinéfilo.

Por Gabriel Ábalos

6.1.15

Eva Bianco: En cine, la actuación se revela filmando


Su presencia nunca resulta indiferente, jamás pasa desapercibida. Con una fuerza interpretativa especial, su figura se apodera de la escena. Poseedora de un rostro de particular belleza y un cuerpo expresivo, Eva Bianco es una actriz que se destaca desde hace más de dos décadas en el panorama artístico cordobés, nacional y hasta internacional. Dice que le hubiera gustado trabajar bajo las órdenes del genial director, padre del cine independiente norteamericano, John Cassavetes. Que también elegiría volver a actuar con la directora Liliana Paolinelli o estar frente a cámaras bajo la dirección de Lucrecia Martel. Indagando sobre sus preferencias en materia cinematográfica, a la hora de elegir sus películas favoritas de todos los tiempos, enumera convencida: Una Mujer bajo influencia, de Cassavetes; El Silencio, de Ingmar Bergman; La ciénaga, de Martel y Escuela de Sordos, de Ada Frontini. Hoy son estas las que me fascinan, remarca.

Eva Bianco (ph Laura Morsch Kihn)

Inicialmente estudió con Azucena Carmona, Ernesto Heredia y Mario Mezzacapo, y luego en la UNC, donde obtuvo la Licenciatura en Teatro representando La yegua de la noche. A partir de allí, recorrerá incesantemente el circuito de teatro independiente local, desde sus inicios en Teatro El Cuenco. El último tramo del 2014 la encuentra representando, junto a Alejandra Garabano, Vidala para una sombra, dirigida por Mery Palacios, en el Teatro La Chacarita.

Multipremiada y aplaudida por sus actuaciones sobre las tablas, sus dotes artísticas fueron rápidamente reclamadas por el cine, contando hoy con más de una docena de películas en su haber. Desterradxs dialogó con ella para conocer más sobre su vínculo con el séptimo arte.

Eva Bianco en Doce Casas


Sos una actriz con una fuerte raigambre teatral, ¿fue complejo adaptarte al lenguaje cinematográfico? ¿Supone un trabajo de composición muy diferente? 

Actuar en cine es muy diferente a actuar en teatro. En mi caso por el tipo de películas que he hecho no me ha servido eso de construir el antes y el después de los personajes o la situaciones que me toca interpretar sino mas bien comprender acabadamente qué es necesario en cada toma. Si bien “desguazo” el guión entendiendo cuál es el recorrido emocional y de situaciones que atraviesa el personaje a lo largo de las tomas, lo álgido es el momento de filmar cada una de ellas. Allí no sólo llevo lo que intuyo de esa fracción, sino que pongo extrema atención a lo que el director diga o necesite en ese momento, el encuadre, el espacio que tengo para moverme en el set. Una puede preparar mucho un personaje o una instancia del personaje pero después llega al set y esa instancia se muestra a través de la nerviosidad de las manos que se ven en un primer plano. ¿Cómo se resuelve eso? Sólo recuerdo cómo es poner crema en mis manos. ¡Y eso sirve! ¡Al diablo con la intensidad o la composición o la psicología del personaje! A veces los directores piden gestos extraños que uno no entiende al momento de filmarlo. Cuando es así, sólo hago lo que se me dice. Si es mirar, es mirar. Generalmente en estos casos solo tomo algo que esté al alcance para apoyar la mirada, o una imagen. Tener una imagen en la cabeza, sirve para esas largas tomas donde la acción es sólo mirar. Igual si la acción es sólo correr, caminar, llorar, etc. No acudo tanto al personaje sino a lo que me surge en ese momento a mí. La atención y la concentración agudizada es lo que me sirve para actuar en cine. La concentración no como un irme o cerrarme hacia adentro sino como un vaciarme para atender mejor y detectar lo imprescindible para expresar lo que la toma necesita. Si lo que se pide es confuso o no logro entender bien, prefiero antes que hablar tanto o demasiado hacer una primera toma como creo que es y sobre ese material ver qué funciona y qué se descarta. También es importante para mí las charlas previas con el director para comprender la atmósfera, el tipo de universo que hay que construir. 

Tus experiencias en cine han estado muy ligadas, en un inicio, con el director Santiago Loza. ¿Cómo surge esta relación y qué obras han desarrollado juntos? 

La relación con Santiago Loza surge cuando éramos estudiantes de la Universidad Nacional de Córdoba. Él estaba en la Escuela de cine y yo en la de Teatro, reabiertas en democracia, en los años 80. Roberto Videla, que daba clases en ambas escuelas, nos conectó para participar en los trabajos que hacían en cine. Santiago me propuso hacer un personaje pequeño, delicado, en su largo La vida íntima de las tortugas. Con el tiempo hicimos una obra de teatro escrita por él, Sentada. Luego se va a Buenos Aires, ya había aceptado Julio Chávez hacer Extraño, donde también trabajé. Después hicimos Cuatro mujeres descalzas junto a Mara Santucho, María Pesacq y María Onetto. Tras algunos años, trabajé nuevamente en Los Labios, de Iván Fund y Santiago junto a Adela Sánchez y Victoria Raposo. Volví hacer una obra de teatro suya, La enamorada del muro. Y lo último en tv, Doce Casas. Con Santiago comparto de lo que él habla en sus películas, en su teatro. De lo que habla y de cómo habla de eso. Detrás del director está un escritor profundo, delicado, piadoso. Por otro lado, cuando me llama para algún personaje es porque cree que yo puedo hacerlo. Más allá de la amistad que nos une.

Eva Bianco en Extranjera


Te involucrás en diferentes proyectos, cortos y largos, de muy disímiles contenidos y proyecciones; ¿qué debe tener una propuesta para seducirte y conseguir que “seas parte”?

Elijo “ser parte “de algo por muy diversas razones. Todas bastantes íntimas, muy subjetivas. Muchas veces porque ignoro cómo se resuelve, cómo se hace alguna escena. Eso me moviliza. Otras porque necesito seguir indagando sobre cómo es el momento de filmar, para comprender cómo es actuar para cine. Y esto creo que solo se revela filmando. También filmo porque hay propuestas inquietantes como la historia que me contó Iván Fund en Los Labios: 3 mujeres que el estado envía para ayudar a personas necesitadas y son ellas las más necesitadas, las también desprotegidas por el estado, por la vida. ¡Eso me arrasó!

Me entusiasmó la visión de Inés de Olivera Cézar en Extranjera, sobre la tragedia “Ifigenia en Áulide”, filmada en traslasierra. También me entusiasman las sutilezas de los relatos. Pablo Género en su corto El camino más largo, sobre una madre que quiere saber si su hijo es homosexual y pasa un fin de semana con él. El tema no se toca aunque lo rondan y al final algo se devela. Fue arduo, intenso encontrar los ribetes a esas tomas donde las situaciones se “bordaban” a través de pequeños gestos, miradas.

Filmar con Sergio Schmucler La sombra azul fue una experiencia fuerte. La historia inspirada en la vida de Luis Urquiza, ex preso político durante el gobierno militar, aun exiliado. El miedo, la represión, no terminan con el gobierno militar, también atraviesan a la democracia.


En 2010, Eva Bianco obtuvo el premio a la Mejor Interpretación en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes (compartido con Victoria Raposo y Adela Sánchez) por su trabajo en Los labios, de Santiago Loza e Iván Fund.

¿Modificó en algo tu percepción del cine o de la industria recibir este premio? ¿Tuvo consecuencias en tu vida actoral?

El reconocimiento en Cannes fue gozoso porque esa película “solita de mi alma” se posicionó frente a todas las otras y brilló. No éramos conocidos. Ella sola hizo el trabajo y el jurado que pudo distinguirla. En un lugar donde el cine se vuelve poderoso como industria, dónde están las estrellas, los capitales, las efectivas fórmulas de filmar se consagran, la película de Santiago Loza e Iván Fund es reconocida. Cannes es solo esa enorme satisfacción. Después hemos vuelto al trabajo de siempre. También es cierto que muchos guiones me han llegado por ese trabajo y su repercusión.

Eva en La Mirada Escrita, 2014, de Nicolás Abello


¿Cómo percibís el cine cordobés de este tiempo? 

Aun no veo un “cine cordobés”. Lo que veo es que en Córdoba se hace mucho cine, que mucha gente estudia cine, que se hace más publicidad, más televisión, en gran cantidad y en muchos casos con una gran madurez. Jamás pensado hace 20 años atrás. ¡Esto es impresionante! Es promisorio, no tengo ninguna duda de esto. 

¿Qué tipo de personaje te gustaría representar? 

No hay un personaje que quiera interpretar en particular. Para mi actuar es un oficio que no es solitario como escribir o pintar. En consecuencia, al final siempre me sorprende y me motiva el hacer del otro, el creer y tener la necesidad de hablar, contar una historia, un universo determinado. Yo nunca pensé hacer cine. Admiraba profunda, dolorosa, envidiosamente a Gena Rowlands, Jeanne Moreau, Liv Ulman, Shirley MacLaine, Isabelle Adjani, Anna Magnani… ¡cómo podía hacer cine yo con esta carita, con este cuerpito y para colmo en Córdoba! 

Santiago Loza, Liliana Paolinelli, Alejandro Mansilla y otros me llamaron para hacer sus personajes. Son ellos los que lo hicieron posible, los que vieron en mí algo que ni yo sé que tengo. 

Jackie Bini
para Revista Desterradxs Nº 27 
Córdoba-Argentina